Mañana, viernes 12, se estrena ‘Pájaros de papel’, dirigida por Emilio Aragón y protagonizada por Imanol Arias y Lluis Homar, entre otros. Este film trata el tema de los artistas ambulantes en los primeros años de posguerra, en un tono tragicómico.

No dudo de la sinceridad y la implicación del director en su opera prima, pues es probable que lo que nos narra se asemeje a lo que les ocurrió a sus antepasados antes de emigrar a América. Así que nos encontramos ante un film personal, aunque no se trate de cine de autor. Su intención de hacer una película que guste a las mayorías tampoco puedo criticarla, ya que me parece una opción muy respetable, aunque sé que se considera casi como un pecado en algunos círculos. Y, a pesar de que a mí, personalmente, me empalaguen las historias tan dulzonas, me moleste que se me manipule de manera tan extrema y de que aborrezca todo lo que me lleva, de forma tan descarada, a soltar esa inevitable lagrimita; tampoco cuestiono la honradez de Aragón cuando utiliza todos los recursos a su alcance para provocar la emoción, pues, posiblemente, de acuerdo con su criterio, eso sea lo correcto y casi obligatorio del cine.

Según lo que persigue, queda claro que sus caminos han sido los más acertados. Si alguien quisiese hacer un curso sobre técnicas para emocionar al espectador, la mejor recomendación sería que estudiase este film a fondo. Esa lágrima que sitúo en el titular tiene facilidad para brotar, pero decir que es fácil provocar en el público tal congoja que no pueda reprimirla sería ningunear el oficio y presuponer demasiado. Esta consecución es fruto de un empleo perfecto de los elementos de la narración. ‘Pájaros de papel’ puede ser manipuladora, pero no es tramposa; en todo caso, poco sutil.

Aragón tiene tras de sí a toda una industria, a un equipo de profesionales bregados en conseguir éxitos en televisión, por lo que habría sido raro que algún aspecto de su película saliese mal. Hemos criticado en más de una ocasión la falta de profesionalización que sufre el cine español, y ahora sería absurdo quejarse de que se trasladen los esquemas televisivos a la creación fílmica.

‘Pájaros de papel’ está bien ambientada y realizada con pulcro clasicismo. El desarrollo de la historia es fluido y mantiene un ritmo que la hace avanzar sin detenerse, combinando las anécdotas con un hilo argumental somero, pero muy encauzado.

Lo que más se podría destacar de este film son las interpretaciones, desde los principales actores a los figurantes. Imanol Arias siempre me ha causado una antipatía por su sequedad y soberbia, pero supongo que cuando estas características se incorporan al personaje, no se pueden señalar como signo de una mala interpretación. En algunos momentos en los que es necesario lograr la emoción, Arias se sabe plegar a este sentimiento. De Lluis Homar había comentado en otras ocasiones que no me convencían sus dotes interpretativas —por ejemplo, lo hallé el peor elemento de ‘Los abrazos rotos‘—, pero aquí está convincente y cercano, muy metido en su papel. Tal vez nos encontremos ante su mejor trabajo.

El niño Roger Princep es gracioso y zalamero y, al igual que lo hace su personaje, sabe meterse al público en el bolsillo. Entre los secundarios se encuentran importantes nombres que dan categoría al film. Destacaría principalmente a Luis Varela y a Carmen Machi, que cuentan con papeles lucidos, aunque breves, y que aportan su granito de comedia. Asimismo se puede ver a Cristina Marcos, José Ángel Egido, Diego Martín o Fernando Cayo, todos ellos oportunos en sus personajes.

Ideológicamente, ‘Pájaros de papel’ se puede tachar de maniquea, como casi todos los films de la guerra civil española, por su retrato de personajes sin matices en uno y otro bando. Contrariamente, (SPOILERS) esa huida final de los tres personajes principales cuando, en una treta similar a la de ‘Malditos bastardos’, se urde un complot para asesinar a Franco (FIN DEL SPOILER), da la sensación de falta de implicación. Parece que Aragón quería entrar en el tema político, pero sin teñir demasiado a sus protagonistas, sin mancharse mucho las manos de rojo.

Si no hubiera recordado ‘El viaje a ninguna parte’, esa obra maestra de Fernando Fernán Gómez, o quizá de la certera ‘Ay, Carmela’, de Carlos Saura, mi opinión sobre la película de Aragón sería mucho más favorable. Pero ya sabemos cuán odiosas son las comparaciones.

En resumen, ‘Pájaros de papel’ toca demasiado la fibra sensible, pero quien no esté alerta ante los mecanismos narrativos, se encontrará un film muy efectivo, muy bien hecho y con interpretaciones persuasivas.

Mi puntuación:

“Algunos que merecen vivir, mueren. Y algunos que merecerían morir, viven”

-Gandalf (Ian McKellen)

Después de la primera parte de la película, que concluye, desgraciadamente, con la escena peor interpretada, peor dirigida, y peor montada, la del Concilio de Elrond, pasamos a una segunda parte que es mucho más intensa y emocionante. Realmente, empieza una nueva película, cuando ya por fin la Compañía del Anillo ha sido formada. Podría decir que el momento en que todos se unen a Frodo queda muy poco emocionante y bastante sensiblero (no es lo mismo), y que la partida del grupo está dirigida con una autocomplacencia recalcitrante, como autoconscientes de la importancia de la película, en lugar de mostrar algo más verdadero.

Eso sí, antes hay una bonita escena protagonizada por Ian Holm, cuyo Bilbo vuelve a atisbar el anillo por última vez, y por desgracia (o por suerte, porque fue eliminada del montaje para cines) una escena absolutamente prescindible entre Elrond y Aragorn. Para intentar apretar tanto material en tres horas, Jackson se lo toma con calma para que empiece la aventura. Luego, cuando el grupo abandona Rivendel y empieza a escalar montañas, lo filma todo en elipsis consistentes en planos de paisajes. La verdad, una decisión, cuanto menos, cuestionable.

También quitaron de la edición de cines, el momento en que Frodo decide ir a la izquierda del camino de Rivendel, para dirigirse a Mordor, un momento bastante absurdo, supongo que para evitar algunas risas en los cines. La elipsis de planos de helicópteros (con la que nos escatiman el corazón de la novela: el viaje en sí mismo), termina con la primera parada en el camino (indicio del estatismo de la película), en la que decidirán, dando que los Crebain (cuervos gigantes) de Mordor vigilan el camino, tomar el paso de la enorme montaña Caradhras. Aquí por fin hay un buen momento, cuando Boromir (qué buen actor es Sean Bean), coge por un instante el anillo, y Aragorn le pide que lo devuelva. No era un momento necesario, pues ya nos imaginamos los deseos de Boromir hace bastante tiempo, pero está bien dirigido.

Las minas de Moria, el mejor pasaje de la película

Vencidos por el Caradhras, que en la novela era una montaña con vida propia, deciden por supuesto, tomar el paso de las minas de Moria, y aquí comienza el bloque más afortunado de la película. La secuencia de la entrada por la puerta oculta tiene el sabor y el espíritu de la novela, aunque la secuencia de acción con el kraken guardián es aquí mucho más larga. Es una secuencia bien resuelta, aunque entre la oscuridad y la velocidad, por momentos se ve bastante poco de lo que está sucediendo. Los efectos ya han quedado bastante caducos, aunque el diseño del kraken impresiona.

Sin duda, este bloque podría haber sido un poco más interesante, si Jackson ofreciera una puesta en escena algo más enérgica, que sólo ofrece a ratos. Durante bastante rato, se limita a mostrar el viaje en plano general de los personajes, rodeados de roca viva y construcciones en ruinas bajo la montaña, cuando en mi opinión hacía falta un buen uso del plano subjetivo, y una narración más ágil. Algo similar sucede en la reciente ‘The Road’. También con Viggo Mortensen. Pero la cosa mejora mucho, primero con un bello diálogo entre Gandalf y Frodo, que de alguna manera anticipa la pronta muerte del mago, y que es la mejor secuencia de Ian McKellen, que está impresionante.

Luego, con la bella secuencia de los pilares de Moria, y a continuación con la crucial de la tumba de Balin. Hay mucho sentido de la atmósfera, aunque la planificación me parece bastante arbitraria. Eso sí, la secuencia de acción que se desarrolla allí es muy buena. Por un error de Pippin, los orcos les encuentran. Antes de que entren en la sala, Jackson pone música de Shore, pero una vez comienza la masacre, la música desaparece, y la secuencia funciona. Milagro. La escena contiene una violenciai salvaje y un caos muy bien mostrados por Jackson. Se echa de menos este talento en otras secuencias de batallas. Y hay algo interesanten en el enorme troll al que vencen a duras penas: como una criatura patética que al final provoca compasión.

A partir de esta secuencia, y hasta que abandonan Moria, no hay tregua para el espectador. Corren hacia la salvación del puente de Khazad-Dûm, y por una vez los planos aéreos o veloces de Jackson funcionan, mostrando en contrapicado el advenimiento de miles de orcos que surgen como cucarachas de las grietas de la roca. Una imagen muy poderosa. Les rodean, pero claro, llega el Balrog. Aqui Jackson y sus guionistas se inventan una divertida variación, muy ingeniosa, respecto a la novela, que es el episodio de las escaleras de piedra, suspendidas sobre un abismo de lava, las cuales se resquebrajan por los golpes del Balrog, mientras los orcos les disparan flechas. Hay mucho dinamismo y mucha emoción en este momento, que entronca de forma enérgica con la lucha contra el Balrog en el puente.

El combate entre el Balrog, un ser enorme de fuego, con un látigo flamígero, y Gandalf, tiene todo lo que podía pedir a este momento. Y los coros salvajes de Howard Shore amplifican aún más la intensidad. Todos sabíamos que Gandalf caía al abismo, pero hay un algo de profunda tristeza en la despedida. Esto es épica de la buena. Y la mirada del grupo, el golpe anímico, es muy creíble y muy verdadero, si bien el momento de lágrimas en el exterior de las minas, queda bastante sentimentaloide. Bastaba con la preciosa música de Shore.

Lórien, horterada y colorines

Y lo malo no es eso, sino que pasamos a uno de los bloques más aburridos e insustanciales de toda la trilogía, que es la parada del grupo en el reino de Lothlórien, donde conoceremos a Galadriel, interpretada por la bella Cate Blanchett. No me acaba de convencer el tratamiento que hace de los Elfos el director, pues no se aleja demasiado de esa imagen hortera y divina que tantos creadores o dibujantes les han otorgado, restándoles toda fuerza dramática, aunque he de decir que la cosa mejora en ‘Las dos torres’. Pero lo malo de esta parte es que no hay una progresión, ni una hilazón con el episodio de Moria, parece simplemente un episodio desgajado del resto. Por supuesto que ahora era necesaria una parada dramática, pero Jackson no es un cineasta portentoso capaz de conseguir que esta necesidad dramática para el espectador, también lo sea para los personajes.

Si cuando llegamos a Lorien, el director se dedica a fascinarnos con la escenografía y el ambiente, en lugar de mantenerse fiel al estado anímico de los personajes, el fracaso es total. Así de fácil. La saturación de colores y luces, la música sin descanso, saturan al espectador, y nos alejan de lo que es verdaderamente importante: la verdad interior del grupo, que se ha quedado sin líder. Además, en Lorien tendremos una escena sencillamente estúpida, que es la prueba que pasa Galadriel al rechazar el anillo. El instante en que Frodo puede ver en qué se convertiría la reina elfa si lo aceptase, es una horterada de grandes dimensiones: un viraje a negativo, con tonos verdes, y la cámara ralentizada, y la voz transfigurada. Un horror, digno de fantasía de serie B, como ‘Conan, el destructor’.

En la edición extendida, todavía duraba más la estancia en Lórien, con los regalos de Galadriel. Suerte que en la película de cines salen mucho antes de allí, y se dirigen hacia el final de la película, que por suerte es uno de los más inspirados de toda ella. En Lórien, Jackson fracasa a la hora de dar continuidad interior, ritmo en defintiva, al drama de Boromir y Frodo, de Aragorn, de todos ellos. Mucha ligereza, sin intensidad emocional, más allá de manipulaciones sentimentales.

El formidable tramo final

Y eso que empieza con una de esas decisiones de montaje como poco cuestionables, o directamente una equivocación y un horror estético: el descenso por el río de las barcas en paralelo con la persecución de los orcos de Saruman. Podría haber sido una buena idea, quizás, aunque resuelta de otra forma, y no con una falsa intensidad basada en los cortes de montaje. Y una vez más con la cámara espantosamente ralentizada. Es un intento de Jackson de hacer visual la persecución, pero los cortes/fundidos quedan de escuela de cine, de director sin sentido visual ninguno.

La cosa mejora mucho cuando sobrepasan los Argonath, enormes estatuas que dan la bienvenida al mundo de los hombres, y en la crucial escena de la orilla. Se respira la tragedia, sin duda. Y cuando Boromir finalmente traiciona a Frodo (una secuencia muy bien interpretada), el final se precipita con naturalidad. Los orcos les sorprenden y tenemos una gran batalla, muy ágil y muy dinámica, filmada con poderosa energía por Jackson y su equipo, con la bella y dolorosa muerte de Boromir, a manos de un salvaje orco que mantendrá un combate a espada, muy bien filmado, contra Aragorn.

Ese combate es todo lo sangriento y bestial que requiere el momento, o más incluso. Y la despedida de Aragorn a Boromir nos devuelve el espíritu de la novela en toda su pureza. Es un momento realmente emocionante. Como emocionantes son las últimas palabras de Aragorn, dejando a Frodo irse con Sam, y decidiendo ir en busca de Merry y Pippin, cautivos por los orcos. En comparación me convence mucho menos el momento de Frodo, llorando con el anillo en la mano, a la orilla del río. Y tampoco cuando Sam casi se ahoga por no abandonarle. Pero ya la película ha concluido.

Conclusiones

Jackson filma una película de aventuras más que digna, con buenos momentos, aunque también con momentos bastante pobres. Abundancia de elementos de fantasía, no siempre bien ordenados y homogéneos. Un poco caos en el diseño y en el aspecto general. Los actores, en general, bastante bien, salvo espantos (Orlando Bloom), o secuencias aisladas dirigidas con desgana.

Podemos decir que esta película es un comienzo prometedor de la trilogía, que se va asentando a medida que avanza, y que tiene pasajes bellos e inspirados. Ni por asomo la obra maestra que algunos quieren ver en ella.

Hollywood no tiene límites. Es como John Locke; ¡no le digas lo que no puede hacer! Warner Bros. Pictures va a lanzar una película de acción protagonizada por Leonardo da Vinci. No, no he dicho Leonardo DiCaprio, he dicho Da Vinci, el genial pintor, inventor y mil cosas más. Ése. Pues ahora estará interpretado por algún actor famoso y guapo que haya ido mucho al gimnasio, se pondrá a correr, saltar y dar golpes para lograr acabar con los malos y salvar el mundo. Oh, y hará mucho dinero en taquilla, desde luego.

Al parecer, ha sido el productor Adrian Askarieh quien ha levantado este proyecto, junto a Roy Lee y Doug Davison, de Vertigo. Los tres han convencido a la Warner, que ya está moviendo los hilos para crear una nueva franquicia. El primer paso es buscar a un guionista capaz de convertir la idea de Askarieh en algo que resulte lo más coherente y comercial posible. La película, que se titulará ‘Leonardo da Vinci and the Soldiers of Forever’ (‘Leonardo Da Vinci y los Soldados Eternos’), presentará a Da Vinci como un miembro de una sociedad secreta que se embarca en una aventura sobrenatural en la que tienen cabida criaturas bíblicas, códigos secretos, civilizaciones perdidas, fortalezas ocultas y ángeles caídos. Todo juntito. También habrá sitio para ayudantes con físico de supermodelo, grandes explosiones y espectaculares secuencias en 3D. Por si lo dudaste durante un segundo.

PD: La Warner, responsable de la “modernización” de Sherlock Holmes, también tiene entre manos nuevas versiones de las historias de Marco Polo (que dirigirá Francis Lawrence) y el Rey Arturo (otra para Guy Ritchie).

Vía | HollywoodReporter

En este especial de vampiros que os ofrecemos en Blogdecine procuraremos tener en cuenta el orden cronológico de las cintas. Sin embargo esta vez, y después de haber hablado sobre ‘Dracula’ (id, Tod Brownning, 1931), hemos realizado un pequeño salto en el tiempo hacia delante, en 1933. Tenía previsto comentar antes la versión española de Dracula del 31 y sobre todo la impresionante obra de Dreyer, ‘Vampyr’, pero me he encontrado con una pequeña sorpresa clásica poco conocida más allá de los límites de la cinefilia. ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’ es el título que recibió en nuestro país ‘The Vampire Bat’, un film modesto filmado por la Majestic Pictures para competir con la Universal y su mítico ciclo de películas de terror.

El principio de la década de los 30 fue uno de los más importantes para el género de terror. La Universal dominaba el mercado con sus adaptaciones de los mitos terroríficos más conocidos, y pronto todas las demás grandes productoras quisieron seguir el mismo camino, incluso las pequeñas se subieron al carro con productos mucho más baratos y en la mayoría de los casos, actores poco conocidos salvo casos aislados. ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’ es una de esas películas, una producción muy barata que sin embargo contó con actores de primera fila para sorpresa de todo el mundo.

El argumento de ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’ nos lleva a una localidad europea, Klineschloss, en la que se suceden varios asesinatos que tienen atemorizada a la población. Las víctimas aparecen totalmente desangradas y con dos pequeñas marcas en el cuello, lo que provoca que todos piensen que es obra de un vampiro. Enseguida se extiende el pánico general y se comienza a señalar a algún falso culpable como vampiro, pero el inspector de policía encargado del caso no puede dar crédito a historias fantasiosas y está convencido de que los crímenes tienen alguna explicación lógica.

Comentaba más arriba que esta película fue muy barata. Gran parte de los decorados eran de otras películas, por ejemplo la casa del inspector de policía fue el escenario central de ‘El caserón en sombras’ (‘The Old Dark House’, James Whale, 1932), una joya del cine de terror muy influyente en el cine posterior; las calles de Klineschloss fueron también las de la mítica ‘El doctor Frankestein’ (‘Frankestein’, James Whale, 1931) y las del magistral alegato antibelicista ‘Sin novedad en el frente’ (‘All Quiet on the Western Front ‘, Lewis Milestone’, 1930). Evidentemente debido a su reducido presupuesto, ésta era una manera —muy de práctica en aquellos tiempos— de abaratar costes.

Lo cierto es que el hecho de ser una película barata afecta en parte a su calidad. La duración del film apenas llega a la hora y diez minutos y todos los acontecimientos planteados —de gran originalidad y sugerencia— son despachados en un final algo precipitado al que se le añaden unas gotas de un desconcertante humor. Sin embargo lo apuesto de su propuesta se encuentra en su argumento, la excelente labor de todos sus intérpretes y la atrevida puesta en escena de su director, Frank R. Strayer. Fue éste uno de esos directores en nómina de los estudios, que realizaban films por encargo y que nunca destacaron por nada. ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’ fue la película más notable de su realizador, el cual se atrevió con innovaciones técnicas que aún a día de hoy asombran, travellings y trucajes de cámara difíciles de imaginar en aquella época tan lejana de los avances de hoy.

El vampiro que aparece en el film es uno de los más peculiares de toda la historia vampírica. Teniendo el aspecto físico tan extendido por la imagen de Lugosi, ropa negra y capa, en realidad se trata de un hombre normal que actúa bajo hipnosis de un científico que pretende crear vida. De esta forma la historia del vampiro se mezcla con la del científico loco y que recuerda al argumento del ‘Frankestein’ de Whale. En su primera parte, antes de presentar todas sus cartas, el film es un buen ejemplo del manejo del suspense, cuando los asesinatos son un misterio y la trama vampírica va tomando forma. Es en esta parte donde también los actores se encuentran en estado de gracia —hay que anotar que el film contiene muchos diálogos, lo que facilitaba al actor la oportunidad de lucirse—, sobre todo Dwight Frye, en un personaje que recuerda al interpretado en el ‘Dracula’ de Tod Browning. Un desquiciado obsesionado con los murciélagos y al que no tardan en tildar como culpable de todo lo ocurrido. la composición de Frye es extraordinaria y alcanza momentos de inquietud realmente perturbadores. Como anécdota cabe señalar que este actor siempre se quejó de que en el cine sólo le llamaban para el mismo tipo de papel y murió sin cumplir de sueño de dar vida a alguien normal.

Lionel Atwill da vida al científico con la misma convicción que en títulos más conocidos del actor; Melvyn Duglas aporta toda su elegancia al héroe de la historia, su rostro se vio asociado aquellos años al cine de terror —venía de protagonizar ‘El caserón en sombras’ de Whale—, pasando años más tarde al de la comedia y ganando dos Oscars por sendos dramas en los que demostró toda su madurez, ‘Hud’ (id. Martin Ritt, 1963) y ‘Bienvenido Mr. Chance’ (‘Being There’, Hal Ashby, 1979). Como pareja de Douglas aparece Fay Wray, la eterna novia de King-Kong. Junto a Frye forman un cuarteto de actores que podían ser la envidia de cualquier película, cara o barata, en aquellos años.

Los valores señalados de ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’ me han parecido los suficientes como para incluirla en esta serie. Un film nada desdeñable, aunque no grande, no sólo por su original tratamiento del tema vampírico, sino por su calidad frente a muchos de los productos salidos de la Universal a los que supera sin ningún tipo de complejidad.

Tenéis la película editada en DVD en un fabuloso pack titulado ‘Los grandes clásicos del cine de terror’ compuesto por el presente título más ‘La isla de las almas perdidas’ (‘Island of Lost Souls’, Erle C. Kenton, 1932), ‘Horror en el cuarto negro’ (‘The Black Room’, Roy William Nell, 1935), ‘The Undying Monster’ (id, John Brahm, 1942), ‘Muñecos infernales’ (‘The Devill Doll, Tod Browning, 1933) y ‘El regreso del vampiro’ (‘The Return of the Vampire’, Lew Landers, 1944). Salvo el título de Brahm, es una colección ejemplar de títulos a reivindicar.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

• ‘Nosferatu’

• ‘Dracula’ de Tod Browning

‘An Education’ es una de las sorpresas cinematográficas más agradables de los últimos meses. La película se estrenó en nuestro país el pasado 26 de febrero (en Inglaterra la vieron en octubre, ejem, ¡ejem!) y provocó un gran interés cuando fue nominada a tres Oscars, en las categorías de mejor guión adaptado, actriz protagonista y película. Como hablamos poco antes de celebrarse la gala de estos premios, la joven y casi desconocida Carey Mulligan no partía como favorita para lograr la estatuilla, y efectivamente no se la llevó. Sin embargo, nadie es mejor con un Oscar, ni nadie es peor sin él; es simplemente un premio muy famoso que, como dijo George Clooney en la alfombra roja (por cierto, ¿se sabe ya por qué parecía tan molesto?), sirve por encima de todo para abrirse camino en Hollywood.

Aunque muchos queríamos que Mulligan lo ganara, en realidad no necesitaba ese premio. Las puertas de la meca del cine ya están abiertas para ella. Esta actriz de 24 años, a la que ya habíamos podido ver interpretando pequeños papeles en ‘Orgullo y prejuicio’ o ‘Enemigos públicos’, ha cautivado al público, la crítica y los grandes estudios con su trabajo protagonista en ‘An Education’, donde da vida a una chica que aprende una importante lección. No en clase, ni leyendo libros o escuchando a sus padres, sino saliendo de casa, saltándose clases y viviendo la vida, que es como de verdad se aprende.

Escrita por el exitoso Nick Hornby (‘Alta fidelidad’ o ‘Un niño grande’), que se basó en un artículo de la periodista Lynn Barber donde relataba experiencias personales (objeto luego ya de un libro entero), ‘An Education’ gira en torno a Jenny, una joven londinense de principios de los 60. Sus padres quieren que vaya a Oxford para que pueda tener una buena carrera y solucionar su futuro, pero para eso Jenny debe mejorar sus notas en Latín. En lugar de estudiar más, la chica sueña con escapar de su casa; ir a fiestas, a la ópera, conocer gente interesante y vivir ya de una vez como una adulta, sin tener que rendir cuentas a nadie.

Jenny está a punto de cumplir los 17 y se ve atrapada en un mundo al que no quiere pertenecer, una aburrida burbuja preparada por los adultos que tiene a su alrededor (sus padres y sus profesoras), que consideran que es demasiado joven para saber lo que es mejor para ella. Pero Jenny cree saber lo que es mejor para ella, y desde luego eso no es dedicar su vida a los estudios y el trabajo; eso no es vivir. Así que cuando conoce al encantador David, un soltero de treinta y tantos años que vive en una onda totalmente diferente a la de los demás, Jenny se rinde a él. Ve el cielo que estaba más allá de la ventana de su dormitorio y de la escuela.

A David se le da muy bien hablar, sabe convencer a gente inocente, así que cuando Jenny tiene problemas para estar con él por culpa de sus padres, el hombre va a su casa a hablar con ellos. Jack y Marjorie, personas simples y honradas, sólo quieren lo mejor para su hija, y este tal David parece una persona de fiar con la que Jenny se siente muy feliz. Así inicia una nueva etapa en la vida de la joven, que al cumplir los 17 realiza uno de sus grandes sueños: viajar a París. David la lleva a cenar a lujosos restaurantes, a galerías de arte, la lleva todas partes, le presenta a sus sofisticados amigos (bueno, a un tipo que sabe de arte y a su novia, que sabe cómo arreglarse) y, en definitiva, la trata como ella quería que la trataran, como una mujer que sólo quiere vivir experiencias, sin preocupaciones sobre el futuro, sin tener que dedicar su tiempo al estudio o el trabajo.

Por supuesto, las apariencias engañan. Es algo que se ve venir desde el principio (no habría película sin un giro de los acontecimientos, ¿verdad?), desde la escena en la que conocemos a David, cuando encuentra a Jenny esperando el autobús, un día de fuerte lluvia, y se ofrece a llevarla en coche hasta su casa. A mí me recordó un poco al cuento de Caperucita y el lobo. Pero dejaré que los que todavía no habéis visto la película descubráis todo lo que le ocurre a Jenny cuando decide tomar un nuevo rumbo.

Lo cierto es que la historia engancha. Digo, tal como está escrita, realizada e interpretada, aun siendo una trama sencilla y sin grandes sorpresas, te atrapa, y fácilmente; consigue que te metas en la película y que necesites saber constantemente qué pasa a continuación. Es un gran logro de Hornby, de la directora Lone Scherfig (¿sólo había sitio para Bigelow en los Oscars?) y de los actores, que están estupendos. Por supuesto, destaca por encima de todos la señorita Carey Mulligan, cuyo físico le permite pasar sin problemas por una chica de 17 años, y a la que ya se compara con Audrey Hepburn (la verdad es que a mí también me la recordó en algunas escenas) situándola además al frente de un posible remake de ‘My Fair Lady’. Por lo pronto, la actriz está, entre otras, en ‘Brothers’ de Jim Sheridan, ‘Wall Street: Money Never Sleeps’ de Oliver Stone, y ‘Never Let Me Go’ de Mark Romanek. Ha nacido una estrella.

Mulligan está radiante, pero, repito, sus compañeros de reparto también están muy bien, y sin ellos la película de Scherfig no resultaría tan efectiva. Peter Sarsgaard borda el personaje de David (al que vemos un poco cambiado en la segunda mitad de la película, quizá porque ya no le queda mucha batería de seducción), Alfred Molina está fantástico como el padre de la protagonista (memorable la escena en la que lleva leche y galletas a su hija), Emma Thompson saca brillo al par de escenas en las que interviene y Rosamund Pike clava el papel de Helen, una mujer vacía que es poco menos que un bonito adorno; incluso el desagradable Dominic Cooper cumple a la perfección con el papel de Danny, el refinado y extraño amigo de David. Pero de todos los “secundarios” me quedo con Olivia Williams como la sorprendente profesora Stubbs, un personaje muy completo del que apenas nos dejan ver la superficie.

Podemos ponernos quisquillosos y descubrir un pequeño bajón de ritmo en la segunda mitad del metraje, donde quizá la acción se atasca un poco, algunas escenas poco creíbles (la rapidez con la que David “enamora” a los padres de Jenny) y un desenlace algo atropellado (me refiero al tema de los estudios), pero creo que esta película es como un postre al que hay que entregarse, y del que hay que saborear cada bocado. Así lo veo yo, al menos. Una deliciosa comedia dramática, excelentemente sencilla.

¿Os acordáis de Corey Haim? Quizá a los jóvenes de ahora su cara no les resulte familiar pero a los que fuimos adolescentes en los 80 el rostro de Haim era de los más conocidos. Se hizo famoso por su personaje en ‘Jóvenes ocultos’ (‘The Lost Boys’, Joel Schumacher, 1987) al lado de Corey Feldman, al que le unió una duradera amistad. Hace tres años ambos interpretaron el programa televisivo ‘The Two Coreys’ que llegó hasta los 19 episodios. Otros títulos famosos del actor fueron las comedias ‘Lucas’ (id, David Seltzer, 1986), de gran éxito en los USA, y ‘Papá Cadillac’ (‘License to Drive’, Greg Beeman, 1988). Pronto empezó a tener serios problemas con las drogas y sus apariciones cinematográficas comenzaron a verse relegadas a films de segunda y tercera categoría.

Corey Haim ha fallecido hoy en Los Ángeles a la edad de 38 años, debido a una sobredosis accidental según declaraciones de la policía de la ciudad estadounidense. Al parecer la madre de Haim estaba con él.

Hasta siempre Corey.

Vía | El país

Liv Tyler (‘Los extraños’) y Patrick Wilson (‘Watchmen’) acaban de firmar para unirse al reparto de ‘The Ledge’, la primera película que dirigirá Matthew Chapman, quien también firma el guión. Tyler y Wilson acompañarán a Terrence Howard (‘Iron Man’) y Charlie Hunnam (‘Hijos de los hombres’) en un thriller sobre un hombre que se encuentra en el borde de una alta cornisa, desde donde dice que debe saltar una vez que amanezca, mientras un policía trata de impedir que lo haga.

Ya sabéis cómo son los productores, ¿no? Su película siempre es lo mejor, lo más original y lo único que merece la pena. Sobre ésta, el productor Michael Mailer nos dice lo siguiente: “Mientras que más y más películas sucumben al embrujo visual del 3D, ‘The Ledge’ explora la cuarta dimensión: la vida interior de almas torturadas suspendidas en un precipicio de nulidad emocional. Por películas como ésta me metí a hacer cine independiente”. Al parecer, no se partió de risa a la mitad de la penúltima frase, lo cual tiene mucho mérito. Nolan ya habló de cuarta dimensión cuando se refirió a su nueva película, ¿es la nueva moda en marketing cinematográfico?

El rodaje de ‘The Ledge’ (‘La cornisa’, un título impactante donde los haya) comenzará el próximo lunes en Baton Rouge, Louisiana. Por el momento no hay fecha de estreno.

PD: Hunnam interpreta al suicida, Howard al poli, y los dos nuevos no sabemos.

Vía | ComingSoon

Se acabó Millennium, también en el cine. El pasado viernes se estrenó en nuestro país, con cierto retraso (más de tres meses respecto a Suecia), la tercera y última entrega de la saga, basada en las exitosas novelas de Stieg Larsson. ‘La reina en el palacio de las corrientes de aire’ es el título con el que se editó el libro en España y es como se ha titulado el film, para evitar confusiones, a pesar de que no se parece al original, mucho más seco (‘Luftslottet som sprängdes’, si no me equivoco, ‘El castillo de aire que explotó’). No estoy a favor de las “traducciones” que se hacen en este país, pero lo que es increíble es que se estrene una adaptación de una novela con un título diferente, como ha pasado con ‘The Lovely Bones’, que debería haberse llamado ‘Desde mi cielo’. Pero esto es otro tema, y como la película de Peter Jackson es tan floja, la verdad es que me da exactamente igual cómo la han llamado, como si la titulan ‘Camino 2’.

De lo que toca hablar ahora es de una película que ofrece un cierre muy flojo a una trilogía que ha ido de más a menos, empezando con un primer capítulo notable, oscuro y violento, muy entretenido, y continuando con dos entregas que parecen meros trámites, filmadas con una falta de talento y una desgana escandalosa. ‘La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina’ y ‘La reina en el palacio de las corrientes de aire’ están cortadas por el mismo patrón y deberían haber sido un único film, para ahorrar tiempo y dinero… Pero claro, eso no habría resultado tan rentable para los productores, al fin y al cabo esto no es más que un negocio para ellos; así ha salido.

El problema es que, una vez te han atrapado, cuesta salir. Una vez has visto el primer capítulo, uno tan prometedor como el que filmó Niels Arden Oplev, es difícil resistirse y no ir al cine a tragarse las dos continuaciones siguientes, para ver cómo termina todo, aunque sean dos películas tan decepcionantes y aburridas como han resultado ser las dos dirigidas por Daniel Alfredson, que por lo visto tiene poco en común con su hermano Tomas, al menos en lo que a talento para el cine se refiere (Tomas Alfredson es el realizador de la estupenda ‘Déjame entrar’).

Doy por hecho que el lector ha visto la segunda parte de Millennium, al estar interesado en esta tercera; en caso contrario no es aconsejable seguir avanzando por este texto, porque voy a hablar de una continuación, y ésta evidentemente parte del final de la entrega anterior. Bien. Como recordaréis, aunque Alfredson no es muy amigo de confiar en la memoria del espectador (¿cuántas veces repiten lo del vídeo de la violación?), Lisbeth Salander estaba decidida a acabar con su padre y fue a buscarlo a su refugio, acabando de muy mala manera. Sobrevive milagrosamente, después de un disparo en la cabeza, pero Alexander Zalachenko también esquiva la muerte. Michael Blomkvist la encuentra, llega la policía y el gigante Ronald Niedermann se escapa. Poco más. Como veis, he resumido todo lo que ocurre en la segunda parte en poco más de dos líneas. Con la tercera se puede hacer más o menos lo mismo.

Con Lisbeth y Zalachenko en el hospital, es cuestión de tiempo que la organización secreta que protegía al segundo se mueva y actúe, impidiendo que todo salga a la luz. La idea es silenciar a ambos, sea como sea. Por supuesto, a Lisbeth, que para algo es la co-protagonista, no la van a quitar de en medio tan pronto, y como se va a celebrar un juicio contra ella, por el intento de asesinato de su padre, la organización planea volver a encerrarla en el psiquiátrico que dirige el doctor Peter Teleborian. Michael, junto a los colaboradores de la revista Millennium y agentes del gobierno, tratará una vez más de ayudar a Lisbeth, hasta que sea declarada inocente y quede en libertad.

Así que por un lado tenemos todo lo que gira en torno al juicio de Lisbeth y por otro la investigación para acabar con la sociedad secreta. Para empezar, convertir a Lisbeth (Noomi Rapace) en un personaje más bien pasivo es un gran problema. Es lo mejor de la saga, y lo tienes en el banquillo, casi siempre esperando o quedándose en silencio; tiene muy poca participación en la investigación y durante el juicio interviene en contadas ocasiones. Michael (Michael Nyqvist) no es un personaje tan interesante, es el típico periodista-detective brillante que está un paso por delante del resto, que lo resuelve todo, que no tiene miedo y que, llegado el momento, puede incluso enfrentarse a un asesino a sueldo. Dejarle a él el peso de la película es un error, porque no tienes nada especial que entregar. Es una simple persecución con final predecible. Y no, tampoco ayuda que los “malos” sean, de pronto, tan ineptos.

Pero el principal problema de ‘Millennium 3’ es la mediocre realización, la aburrida manera con la que se narra la resolución de la retorcida trama de corrupción y espionaje. Es difícil mantener el interés por lo que sucede en la pantalla cuando todo se resume en ver a unos personajes hablando, a menudo sin convicción, sobre algo que ya sabes, o te van a mostrar después, durante unos injustificables 140 minutos. Alfredson lo rueda todo igual, y cuando toca algún momento de acción es incapaz de imprimirle emoción, corta la escena en mil trozos y mueve mucho la cámara; como espectador, sólo puedes esperar a que todo acabe, para saber qué demonios ha pasado. No hay más que ver cómo se resuelve la escena en la que Ronald, alias “el terminator sueco”, acaba con los dos policías del principio. Es verdaderamente ridícula, si tenéis la oportunidad, echad un vistazo a lo que hacen los dos actores que son derribados por un enemigo exageradamente lento.

‘La reina en el palacio de las corrientes de aire’ está regada de situaciones intrascendentes (como Lisbeth entrenando en su celda), escenas gratuitas entre personajes que no importan lo más mínimo (como el encuentro entre Fredrik Clinton y el asesino moribundo, cuyo final por cierto es de lo más cómico), recordatorios constantes e innecesarios a lo ocurrido en las dos películas anteriores y, sobre todo, largos diálogos que no hacen más que entorpecer el ritmo de la película, aportando muy poco o nada a la trama (como el rollo de “esto se parece a una tragedia griega”). A la película la salva del desastre absoluto la profesionalidad del equipo de producción, el carisma de los dos actores protagonistas y la promesa de un desenlace que cierre definitivamente todos los cabos sueltos. Prácticamente nada más.

Críticas de las anteriores entregas de Millennium:

Lisbeth Salander en ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’
‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’, algo huele a podrido en Suecia
‘Millennium 2 La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina’: rebajando las exigencias

La primera ‘Wikipeli’, que se puede ver más arriba, estuvo coordinada por José Corbacho y Juan Cruz y llevó por título ‘Universos’. Quizá alguno de vosotros fue uno de los más de 3200 codirectores que tomaron decisiones para llevar a cabo este cortometraje, compuesto por interesantes planos y una buena fotografía. Os daría la enhorabuena, pero me pregunto hasta qué punto influían vuestras decisiones o se tenían en cuenta vuestras ideas. El montaje es algo lento y la historia, para lo poco que tiene que contar, se hace larga, pero supongo que consideraron que sería una buena forma de integrar las aportaciones de tantas mentes creadoras. La situaría por encima de otras obras de Corbacho y Cruz y eso probablemente se deba a las colaboraciones.

A partir de mañana, 10 de marzo, se podrán ir aportando propuestas para la segunda ‘Wikipeli’, que en esta ocasión estará dirigida por Jaume Balagueró, coautor de ‘[REC]’ y ‘[REC2]’ y director de ‘Los sin nombre’ y ‘Darkness’.

Cualquiera de vosotros podrá enviar objetos para que aparezcan en el metraje, prestar su voz para un momento concreto de la cinta e, incluso, actuar como parte del elenco de la ‘Wikipeli’. Asimismo, podrá votar para definir, por ejemplo, el título del corto, los nombres de los protagonistas o podrá sugerir cambios en el guión. Todos los internautas que tomen, al menos, una decisión aparecerán como codirectores del film, al mismo nivel que el propio Balagueró.

Vía | Web de la Wikipeli.

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Otro título que llega y en su primer fin de semana derroca a ‘Avatar’ del primer puesto de la taquilla española. Se trata de ‘Los hombres que miraban fijamente a las cabras’ que ha conquistado a buena parte del público. No sabemos las cifras de bostezos que lograría, pero en números no ha estado nada mal.

Cabe destacar que los estrenos veteranos como ‘Tiana y el sapo’ e ‘Invictus’ mantienen el tipo con fuerza a pesar de la llegada de nuevos títulos. Scorsese afloja en números, pero suficiente para estar en el tercer puesto, justo por encima de la tercera entrega de la saga ‘Millenium’.

Es de esperar que en los próximos días el boom de los Oscars empuje a ‘En tierra hostil’ a estar dentro del top ten, al igual que ‘Precious’, y la derrotada ‘Up in the Air’ se desinflará sin remedio.

Atención que llega un estreno esperado: ‘Green Zone’ con Matt Damon y seguro estará entre los puestos de cabeza la próxima semana. Aquí los datos de este pasado fin de semana:

Vía | Boxoffice.es

En el mundo de los remakes todo es posible, ya lo sabemos. Podemos ser testigos de cómo Gus Van Sant insulta a Hitchock, o de cómo Scorsese mejora una película oriental. Lo más corriente es que en estos tiempos veamos más casos como el primero que como el segundo, sin embargo hace muchos años era fácil ver remakes perfectamente entendidos. Douglas Sirk rendía culto a John M. Stahl, o George Cukor convertía en una obra maestra un clásico del cine inglés. Como se suele decir, eran otros tiempos.

A estas alturas estamos tan curados de espanto que ya no nos asustan las noticias sobre nuevas versiones de grandes películas. Teniendo que aceptar lo inevitable sólo nos queda soñar con que al menos el remake caiga en buenas manos. Algo así podría suceder con ‘Excalibur’, la obra maestra del irregular John Boorman, un punto cumbre en el género de aventuras y fantasía. Actualmente se están preparando dos versiones bien distintas. Una es el remake propiamente dicho del film, del que podría hacer cargo Bryan Singer. Después de ese petardo que fue ‘Valkiria’ (‘Valkyrie’, 2008) no estaría mal que Singer cambiase totalmente de tercio.

El otro proyecto está siendo escrito por Warren Ellis, y es más bien un nuevo tratamiento de la historia. El director podría ser Guy Ritchie, así que preparémonos para un refrito en el que veremos al rey Arturo hablando como en ‘Snatch’, mientras Ritchie filma las peleas en ralenti y los caballeros de la mesa redonda parecen una pandilla de gangsters.

Vía | Las horas perdidas

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Me pregunto si os habrán llegado a cansar, como a mí, las películas de buen rollo, es decir, aquellas que siguen el esquema que tan bien reproducía la factoría Ealing para contarnos cómo un grupo de personas sobre las que se ejerce una injusticia consigue liberarse y alcanza la justicia poética a base de un esfuerzo común. El motivo de mi inicial recelo es que están cortadas por un patrón demasiado similar en todos los casos y que su falsedad, si bien es intencionada y forma parte de los elementos que buscan la catarsis, me parece excesiva. A pesar de que ‘El concierto’ (‘Le concert’) sigue sin desviación esta fórmula tan manida, le convengo la capacidad para emocionar, ya que el conjunto que compone es superior a lo que suponen sus elementos por separado.

Esta coproducción paneuropea, que se estrenará el día 12, está dirigida por Radu Mihaileanu e interpretada por Alexei Guskov, Mélanie Laurent, Dimitri Nazarov y Valeri Barinov. Nos cuenta la historia del antiguo Boloshoi, expulsado por cuestiones políticas, cuyos miembros trabajan hoy en día en labores de intendencia. El anterior director de la orquesta se encuentra limpiando el despacho del actual cuando entra el fax que los invita a tocar en París. Junto con sus compañeros músicos, decide que acudirán a la cita, suplantando al auténtico Bolshoi. El director quiere interpretar el Concierto de Chaikovski, que se le había atragantado desde la juventud, y sólo aceptará como solista a una violinista en concreto.

No hay nada en ‘El concierto’ que no pueda imaginarse de antemano, incluso sin ver el largo y excesivamente explicativo tráiler que circula por los cines. En cuanto a componentes, están todos: existen los personajes cómicos, pero emotivos; se incluye una subtrama sentimental que esconde un secreto largamente guardado; convive con ella otra historia con tintes políticos, hay rencillas, se dan venganzas, se producen redenciones… En cuanto a progresión, se responde al esquema más clásico: tras el planteamiento y la decisión de suplantar a la auténtica orquesta, se muestra una larga preparación al estilo carrera de obstáculos, que está salpicada con humor, ya sea costumbrista o algo más inspirado. Y finalmente, llega el también sobreexpandido clímax.

Todo esto podría ser tan malo como bueno, ya que precisamente al no carecer de nada, ‘El concierto’ produce, sin duda, el efecto que busca. Es, en especial, un montaje en paralelo sostenido durante muchos minutos, en los que la explicación se acompaña del Concierto, lo que mejor funciona de todo el film y lo que aporta Mihaileanu —o su montador, Ludovic Troch— como originalidad.

Entre los actores se encuentra la intérprete que nos sedujo con su frialdad en ‘Malditos bastardos’: Mélanie Laurent, quien interpreta con la misma destreza a una violinista intrigada por una historia que le va a cambiar la vida. Del resto de la parte francesa del elenco se podría decir, si acaso, que está desaprovechado, ya que se trata de importantes intérpretes con poco texto y poca presencia: Miou-Miou, a pesar de lo reducido de su papel, está muy acertada; François Berléand, cuenta con un personaje tipo muy canónico, pero que presenta algún destello singular, y Lionel Abelanski, carga con todos los marrones que suele llevarse injustamente el alivio cómico.

En la parte rusa del reparto, el protagonista, Alexei Guskov demuestra ser un actor de gran carisma y elegancia, que sostiene la ilusión por llegar a interpretar su concierto contagiándonos sus aspiraciones sin dificultad. Quien interpreta a su mejor amigo, Dimitri Nazarov, encaja bien en un estereotipo, pero sin llegar a resultar cargante. El resto de la orquesta, responde a los prejuicios que se pueden encontrar en cualquier conversación sobre los rusos, dando pie a la facción más burda del humor de la cinta.

‘El concierto’ es una de estas películas que te hacen pasar un rato muy agradable y que, como extra, te hacen salir del cine con el ánimo subido y la sonrisa en los labios, a pesar de la lagrimita que has restañado unos minutos antes. Nada que objetar, pues no todo lo que llega a las salas tiene la obligación de revolucionar el Séptimo Arte. Poco recomendable, eso sí, para quienes busquen emociones fuertes o estructuras novedosas.

Mi puntuación:

Todos estaremos de acuerdo en que la ceremonia de los Oscars del pasado domingo —ya lunes en España— fue muy aburrida. Steve Martin y Alec Baldwin nos hicieron echar de menos al pletórico Hugh Jackman del año pasado. Los discursos de los premiados fueron un coñazo, sobre todo los del guionista de ‘Precious’ —la única sorpresa de la noche y un premio bastante injusto— y el de Jeff Bridges, que aburrieron al personal. No hubo representaciones de las canciones nominadas, aunque el número musical de las bandas sonoras fue impresionante; Barbra Streisand con su sola aparición para dar el Oscar a la mejor dirección ya cantaba el premio antes de decirlo —¿qué otra cineasta podría haber entregado ese galardón a la Bigelow—, y Tom Hanks brilló por su economía de medios.

Pero hay un instante a recordar. Entre todos los chistes, la mayoría forzados y sin gracia, hay uno absolutamente delirante, la parodia realizada a uno de los sleepers del año, ‘Paranormal Activiy’, también una de las películas más baratas de la historia —subrayando con ello que éste era el año de las producciones independientes—, y una de las películas más atacadas por crítica y público. Aunque personalmente no me pareció tan mala como dicen por ahí, hay que reconocer que en la mayor parte de su metraje no pasa nada. Martin y Baldwin se ríen de ello con mucho humor. El vídeo de menos de un minuto, no tiene desperdicio, disfrutadlo.

Dios en 3D. Ése podría ser el eslogan del proyecto que está preparando Paramount Pictures. El estudio, junto al productor Cary Granat y la compañía Reel Fx quieren convertir El libro del Génesis en una película en 3D. De hecho, el proyecto está está bastante avanzado y ya está listo el guión, escrito por John Fusco (‘Hidalgo’, ‘El reino prohibido’).

El director será David L. Cunningham (‘Más allá del deber’, ‘Los seis signos de la luz’) y la película contará con un presupuesto de 30 millones de dólares. No es una gran cifra, una superproducción cuesta en torno a los 100 millones, pero supongo que no piensan contar con estrellas y que dan por hecho que la historia se venderá sola, que no tendrán que invertir demasiado en publicidad.

En estos momentos se están realizando pruebas con los efectos especiales, y la idea es empezar a rodar a finales de este año. En teoría, la película, que llevará por título ‘In the Beginning’ (‘Al principio’) en lugar de ‘The Book of Genesis’ (‘El libro del Génesis’), narrará cómo Dios creó la luz, a Adán y Eva y muchas cosas más en sólo una semana (bueno, en seis días, el séptimo descansó). ¿Soy el único que cree que James Cameron debería presentarse para el papel de Dios?

PD: A ver quién es el primero que no resiste hacer una broma sobre la pintura.

Vía | DeadlineHollywood

Los Oscars ya se han terminado, se ha hecho justicia y ahora hay que pasar a otros temas no menos interesantes. Nuestro querido por todos The Rock Actitud nos ha enviado un mail todo emocionado con la cantidad de proyectos que tiene en cartera Mickey Rourke, que está viviendo una segunda oportunidad de volver a demostrar que es simple y llanamente un excelente actor. No hay duda de que su “resurrección” es debida en parte al éxito de crítica cosechado por ‘El luchador’ (‘The Wrestler’, Darren Aronofsky, 2008) por la que era el gran favorito para ganar un Oscar el año pasado.

Este año le veremos en tres películas esperadas. ‘Passion Play’ al lado de Megan Fox y Bill Murray, ‘Iron Man 2’, en la que parece le atizará duro a Tony Stark, y ‘The Expendables’, dirigida por Sylvester Stallone, quien ha reunido a un montón de actores especializados en la acción —que no la interpretación, ojo— para darse un gustazo personal. ¿Alguien piensa perderse alguna de estas tres propuestas? Ninguna huele a buen cine, pero la presencia de Rourke es más que suficiente.

A finales de año, o tal vez en el 2011, empezarán a llegarnos más películas en las que Rourke ha metido su talento. Anotemos: ‘St. Vincent’ es el regreso de Walter Hill, alumno aventajado de Sam Peckinpah, al cine negro con una historia violenta en la que también estará Ray Winstone. ‘Dawn of War’ de Tarsem Singh, film de fantasía en la que el actor dará vida al rey Hyperion en un film que sin duda se aprovechará del éxito que obtendrá ‘Furia de titanes’ (‘Clash of the Titans’, Louis Lterrier, 2010). Y ‘Broken Horses’, un drama de acción dirigido por el desconocido Vidhu Vinod Chopra. El nombre de Rourke también está asociado a películas como ‘Pretty, Baby, Machine’ en la que encarnaría al famoso Baby Face Nelson; ‘Conan’, interpretando al padre del héroe; y ‘Rambo V: The Savage Hunt’, o como Stallone no se cansa de intentarlo una y otra vez. En estos tres últimos proyectos la presencia de Rourke aún no ha sido confirmada.

Mucho Rourke para tan poco tiempo. No seré yo el que se queje.

Vía | IMDb

“Acertijos en la oscuridad…”

- Gandalf (Ian McKellen)

Una tarde, en la filmoteca de Madrid, tomando una cerveza antes de un pase, oí a uno de esos contertulios que tanto abundan por allí, hablar del cine de fantasía, y despachar velozmente a ‘El señor de los anillos’ de Peter Jackson con un lapidador “no hablemos de eso, eso es basura”. En efecto, hasta en las filmotecas a la gente le encanta hablar con los dos grandes epítetos: “obra maestra” o “puta basura”. Soslayando el tema de que es diíficl encontrar a contertulios cinéfilos interesantes, creo que podemos empezar a situar correctamente, o a intentarlo, la trilogía de Peter Jackson, casi una década después de su estreno.

En las navidades de 2001 apareció la primera película. Había muchas dudas, lógicas, en torno a ella. Pero lo cierto es que, en general, los espectadores salimos del cine bastante satisfechos. Jackson no había filmado una obra maestra imperecedera, pero había cogido un material literario muy difícil de adaptar y había salido vivo de la hazaña. No era poco. Ahora bien, siendo una película tan larga, con tantos elementos narrativos, y con tantas secuencias, y dado el hype que había provocado, no resultaba fácil hablar con justicia sobre ella. A mí me parece una digna película de aventuras. Vamos a analizarla:

El prólogo: concisión, brillantez y tosquedad

Era imprescindible situar al espectador, tanto aquel que se hubiera leído el libro (el más exigente…) como aquel que no (para que no se perdiera). Y había que hacerlo con rapidez, pero atando todos los cabos, para empezar a contar la historia de Frodo cuanto antes. Y se puede afirmar que estos primeros minutos tienen grandes virtudes, aunque también defectos. Como toda la trilogía. Era necesario una voz en off, y quién mejor que Cate Blanchett, que interpretaría a Galadriel. Su narración es estupenda, con su hermoso timbre y su voz atenorada, sin perder jamás el tono. Así, nos situamos en un pasado remoto en el que se explica la creación de los anillos, y la capacidad del anillo único para dominarlos a todos.

Tiene lugar, por tanto, la primera de las diversas batallas de la película, y se agradece que sea breve e intensa. Sin embargo, hay poca fisicidad en esta batalla, y un tratamiento del color algo exagerado. Le falta algo de épica también. Parece un cómic tosco e hiperbólico, y ver a Sauron corporeizado (uno de los aspectos más controvertidos de la adaptación, pues en la novela esto nunca sucede de manera gráfica) le resta algo de misterio, por mucho diseño de armadura y casco que le dedicasen. Así mismo, la escena de la muerte de Sauron queda algo forzada. Para entendernos, mucho efecto y poco sentido visual.

Tampoco es especialmente brillante la muerte de Isildur, con una cámara ralentizada (que Jackson empleará, por desgracia, bastantes momentos más en esta primera película), y una falta de épica preocupante. Sin embargo, tiene mucha atmósfera (gracias también a la inspirada música de Howard Shore) todo lo relativo al hallazgo del anillo por parte de Gollum, y el momento en que lo encuentra Bilbo. Imágenes certeras, rápidas pero acertadas, que narran con rapidez y concisión una historia muy larga. Concluye así el primer prólogo, y pasamos a otro prólogo no oficial, que a mí particularmente me parece que baja mucho la intensidad de la película. Desgraciadamente, todo este bloque era necesario para contar la historia.

Bilbo, Gandalf, La Comarca

He de decir, para empezar, que Ian Holm me parece un actor magnífico, y su Bilbo es estupendo y perfectamente dibujado. No puedo decir lo mismo de Elijah Wood, un actor muy tendente a la sobreactuación, que encarna a un Frodo que no me acaba de convencer, pues le falta carisma, densidad, contención. Los enormes ojos azules y la cara de niño de Wood le bastan, pero suele esforzarse en “actuar”, y muchas veces es ñoño, obvio o zafio. Parece hipervitaminado, y su caracterización (el cabello, el vestuario) poco realista. En comparación, prefiero con mucho a Sean Astin, que dibuja un Sam más cerca del espíritu del original literario.

Peter Jackson dibuja una Comarca idílica, en plan pueblo primaveral de cuento. Está bastante potable todo el diseño del pueblo Hobbit, aunque se echa en falta, como casi siempre, una mayor sensación de vida, de veracidad, y un dibujo menos caricaturesco de estos personajes. Es decir, parece más una postal que otra cosa, pero está decente, sobre todo, insisto, por el trabajo de Ian Holm, a quien le atribuyo gran parte del mérito de que sea un bloque más o menos interesante. Ian McKellen, como Gandalf, parece en estas primeras escenas algo forzado, como si el traje o el sombrero le estorbaran. Por suerte enseguida mejora (concretamente, en la fiesta de cumpleaños), y esa extraña sensación desaparece.

La novela comienza con el cumpleaños de Bilbo, y en la película obtenemos un cumpleaños que se acerca bastante a lo que podíamos imaginar leyéndola. Nos presentan también a Pippin (Billy Boyd) y a Meriadoc (Dominic Monaghan), que serán el contrapunto Hobbit cómico a los casi siempre muy serios Sam y Frodo, y a los que estos dos actores se esforzarán en dotar de credibilidad, teniendo tan poco trasfondo con el que trabajar. Hay bastante coña (Gandalf bailando entre los pequeños hobbits, el episodio del petardo gigante) y buen ambiente, y Jackson sabe pasar del ambiente distendido del exterior, a la opresión creciente que le causa el anillo a Gandalf en el interior de la casa de Bilbo, con talento. También es bonita la despedida entre Gandalf y Bilbo.

Un arranque algo lento

Con la aparición de los Espectros del Anillo (una creación bastante notable, llena de imaginería siniestra), la historia comienza a arrancar, aunque con algo de lentitud. Hay fuerza expresiva en esos jinetes negros que se lanzan en la búsqueda del anillo, y una creciente atmósfera de pavor alrededor de la Comarca. Con Frodo por fin partiendo de su hogar hacia Rivendel, acompañado de Sam, podemos decir que comienza de verdad la historia. Sin embargo, no me convence demasiado el humor zafio de Jackson, que reemplaza la cálida camaradería entre los cuatro hobbits, y que aquí se traduce, como mucho, en un tratamiento algo cursi de su amistad.

La presentación de Saruman es muy potente (un Christopher Lee tan impresionante como acostumbra), pero se diluye bastante en cuanto entra con Gandalf en la torre. Los movimientos veloces de la cámara de Jackson dan un tono de cómic vistoso que le resta misterio a la puesta en escena y al relato de fantasía que nos quieren armar. El combate de magos está bastante trabajado, pero no es una gran secuencia. Queda vistoso y poco más. Tampoco es una gran secuencia (Jackson el suspense lo maneja a ratos), el famoso momento en que los cuatro Hobbits se esconden en un agujero del primer Espectro. Queda forzado que acaten la orden de Frodo de esconderse, y el director falla a la hora de atemorizar al espectador.

Sin embargo, la huída de los cuatro hobbits por el bosque nocturno tiene una fuerza visual sorprendente. Da la sensación de que Jackson estaba aquí con ganas de filmar bien, mientras que en otros pasajes se dedica a pegar planos sin mucha gracia. Hay una energía y una atmósfera notables, como el momento en que Frodo salta a la barca en el último segundo, y mira hacia los jinetes que comienzan a seguirles por la orilla, en una imagen a cámara lenta. La densidad, la veracidad poética de este momento, no la alcanza Jackson como realizador nada más que en momentos aislados como este. Pero por suerte llegamos al bloque del pueblo humano, y del Poney Pisador. Y llegamos a la presentación de Aragorn, que le sube a la película cien decibelios.

Todo el bloque de la posada es tal como se podía imaginar, y Viggo Mortensen está tan metido en su papel de Aragorn, que parece realmente un montaraz que llevase un mes durmiendo en el monte. Es un actor muy físico y muy natural, que suele fracasar cuando se las da de actor del método, pero que aquí está estupendo, con barba de varios días y aspecto de no lavarse hace mucho. Le da a este momento de la película una energía que ya iba necesitando. Su presentación es brillante, y sus diálogos los mejores (“¿Tienes miedo? no lo bastante, sé quién te persigue”). A continuación es interesante cómo está contada la infiltración de los espectros, y cómo han sido engañados, con un montaje en paralelo bastante brillante.

Momentos inspiradísimos

Y aquí llega uno de esos momentos que parecen cazados al vuelo y que se echan en falta más a menudo en esta trilogía: Aragorn explica a los hobbits lo que son los Nazgûl, y Jackson ofrece una serie de planos muy bellos sobre las palabras de Mortensen, que producen una gran inquietud e intriga en el espectador acerca de estos sinuosos seres. Lástima que lo termine de la peor manera posible, con un corte abrupto que nos arranca de esa belleza con tosquedad, para un plano del quinteto saliendo de Bree. Y para rematar, pone en paralelo con esa salida un plano sin continuidad de los mismos Nazgûl cabalgando por un camino. Un sinsentido.

El corazón de esta trilogía, a mi modo de ver, es el viaje de Frodo, tanto psíquico como físico. En este primer trayecto, tampoco el viaje con Aragorn es especialmente emocionante. Se echa en falta más fisicidad, más realismo, menos planos desde un helicóptero, más sentir la mugre y la dureza del camino. En ese aspecto, esta trilogía fracasa rotundamente, salvo en la parte final, cuando ya Sam y Frodo caminan juntos por Mordor, donde algo de esto sí que hay. Pero aquí no tenemos la sensación de un relato de camino, de itinerario. Sin embargo la cosa mejora bastante con el ataque de los nazgûl, que propicia dos momentos bastante bellos.

Por un lado, una polilla acude a ver a Gandalf en su cautiverio, para comunicar su situación a la gran águila. Es un plano muy hermoso, cuya segunda mitad es una vertiginosa caída hasta las minas de Saruman. Por otro, la aparición de Arwen, que a los ojos de un moribundo Frodo, posee una luz y un vestuario, muy diferentes de lo que ven el resto. Son momentos aislados de gran sabor de cine fantástico. La persecución a Arwen está lograda, pero le falta más ingenio, y un montaje menos caótico. Aunque para montaje caótico, y planificación desastrosa (y dirección de actores pésima, con un espantoso Orlando Bloom), la secuencia del concilio de Elrond, que es un desbarajuste total, por momentos hasta risible.

Hasta aquí la primera parte de la película, que se salva por momentos puntuales, interpretaciones brillantes (algunas, las de Mortensen, McKellen o Holm), y alguna escena particularmente afortunada (los hobbits en el bosque nocturno, la aparición de Aragorn, la polilla con Ganfalf). Por suerte, la segunda parte de esta primera película está mucho más trufada de virtudes.

‘Tron: Legacy’ es el título de una de las películas del año. Esto es, una de las más caras, de las más esperadas (tanto este avance como el anterior han dejado con la boca abierta a los fans del cine fantástico) y que probablemente sea de las más taquilleras, ya no de este año, sino de todos los tiempos. ¿Exagero? No lo creo. La Disney detrás, el famoso 3D que tanto está gustando al público, el reciente ganador del Oscar al mejor actor, Jeff Bridges, al frente del reparto… Y este nuevo tráiler. Ojo al vídeo. Esto en un cine puede ser una experiencia increíble.

Puede ser. Porque también puede ocurrir que el director Joseph Kosinski se haya quedado tan alucinado con los efectos visuales y el 3D que se haya olvidad de contar algo interesante, y lo más importante, de contarlo bien, sin cámara mareante ni montaje alocado. Ya veremos, yo en principio le voy a dar mi voto de confianza. ‘Tron: Legacy’, la secuela de la película de culto ‘Tron’, se centra en el joven Sam y la búsqueda de su desaparecido padre, Kevin Flynn (Bridges). Garrett Hedlund, Olivia Wilde, John Hurt y Michael Sheen completan el reparto protagonista. La fecha del estreno es el próximo 17 de diciembre, tanto en Estados Unidos como en España, ¡como tiene que ser!

Actualización: Aquí os dejo también el tráiler doblado al español, cortesía de la propia Disney:

PD: Gracias a todos los que nos habéis avisado. ¿Qué haríamos sin vosotros?