Cuando uno cree que no le pueden sorprender más con las noticias sobre este maravilloso arte, llegan los de Summit y proclaman a los cuatro vientos sus intenciones con respecto a quién dirigirá la cuarta entrega de ‘Crepúsculo’ (‘Twilight’, Catherine Hardwicke, 2008) que lleva por título ‘The Twilight Saga: Breaking Dawn’. La cosa está entre tres realizadores de lo más peculiar: Sofia Coppola, Gus Van Sant y Bill Condon. Está claro que quieren terminar la saga por todo lo alto poniendo tras las cámaras a uno de esos directores que llevan escrito en la frente la palabra “autor”.

Si tuviera que decidirme por uno, evidentemente elegiría a Condon. Tiene experiencia dirigiendo films de terror —suya es la segunda entrega de ‘Candyman‘— y tras ‘Dioses y monstruos’ su carrera ha conservado cierto equilibrio. A los otros dos les tengo un miedo atroz. Van Sant ha demostrado más de una vez que sabe hacer excelentes películas —‘El indombale Will Hunting’ o ‘Drugstore Cowboy‘— pero cuando le da por cosas como ‘Gerry’ o ‘Last Days’, es para salir corriendo. Y la hija de Francis Ford Coppola es simple y llanamente la demostración palpable de que el talento no se hereda. Que nadie me salga con ‘Lost in Translation’ que me da la risa.

Como dicen en Las horas perdidas, hagan sus apuestas.

Mañana, 18 de marzo, se estrena ‘Tensión sexual no resuelta’, una película española de la que, para variar, se está haciendo una buena campaña de promoción y que, para variar, está producida con ganas de ser un éxito. No es la primera, lo sé —el año pasado, ‘Mentiras y gordas’ y ‘Fuga de cerebros’ fueron también por ahí—, pero es de las pocas. Los atractivos principales con los que se vende son las risas aseguradas, una pizca de sexo y, por supuesto, los nombres de Amaia Salamanca, Adam Jezierski, Miguel Ángel Muñoz, Fele Martínez, Pilar Rubio, Joaquín Reyes y varios más. Está claro que esto, que en realidad es lo que habría que hacer siempre, supone que la película ya llegue ante algunas personas con un juicio prefabricado sobre su calidad. Sin embargo, habría que saber situarse por encima de estas apariencias para evaluar con rigor su calidad.

El tercer film de Miguel Ángel Lamata —‘Una de zombies’, ‘Isi & Disi, alto voltaje‘— se orquesta a través de enredos y funciona gracias a la adición. Comienza con un personaje, que rápidamente conoce a otro. Y, según se tira de la madeja, se va sumando uno nuevo cada vez, para embrollar una trama que es más bien un entramado. Una vez planteado el lío, la película engancha y soporta un elevado nivel de interés que no decae hasta el final, gracias a que astutamente se va guardando la información para desvelarla con golpes de efecto. Las dos primeras escenas, más flojas y artificiales que el resto, con diálogos forzados e interpretaciones que aún no han entrado en calor, se olvidan en seguida a partir de la primera aparición de Jezierski. Cada una de las subsiguientes incorporaciones aumenta la curiosidad.

El humor que contiene ‘Tensión sexual no resuelta’ es menos adolescente de lo que sus carteles y elenco nos harían pensar. En ocasiones, los guionistas juegan con diálogos elaborados, otras veces hacen referencias metalingüísticas —el título del film no es la única—, durante un momento se ríen de la pretenciosidad de algunas tendencias y, de vez en cuando, incluyen observaciones sobre la pareja que, si bien no aportan nada nuevo, pues no creo que quede absolutamente ninguna cosa que no se haya expresado ya sobre el amor, no están tan sobadas ni tal alejadas de la realidad como las de otras obras. Aunque destaquen los intérpretes más jóvenes, el protagonismo lo llevan los adultos, lo cual es de agradecer. Por supuesto que existen tópicos dentro del conjunto, pero no más de los que se podrían hallar en cualquier otra comedia.

Parece que estuviese indicando que el film no tiene defectos y, claramente, no es así. Como digo, el arranque es ramplón y, a lo largo del desarrollo, se producen algunos otros momentos que podrían estar mejor. El tema de los actores es difícil, ya que nos debatimos entre interpretaciones que no terminan de sonar realistas y otras que se despreciarán porque no se despegan de los papeles que ya encarnaban estos mismos jóvenes en sus series —en el caso de Santiago Segura, en sus cortos—. Pero poco importa que haya aquí y allá cosas reprochables si el conjunto, como mínimo, se sostiene. Su acabado formal es muy superior al de, pongamos, ‘Café solo y con ellas’, por buscar un caso similar en cuanto a sus intenciones populacheras, pero que no merece ningún encomio fuera de sus ganas de hacer reír.

Me he metido en ‘Tensión sexual no resuelta’ mucho más que en la mayoría de las películas que he visto recientemente. Como si se tratase de magia, me encontraba contemplando a sus personajes sin pensar en ninguna cosa ajena a la cinta, sin ejercer siquiera ese inevitable análisis que efectuamos quienes tenemos que escribir posteriormente sobre lo que estamos viendo y que, en general, impide un disfrute completo. Parecerá que me conformo con poco, pero hacía tiempo que ningún film me producía este bendito efecto. Muchos ya habéis notado mi especial debilidad por las comedias. Eso no significa que les perdone más fácilmente las torpezas, pero sí que sea más entusiasta con sus aciertos.

Podríamos augurarle un gran éxito a ‘Tensión sexual no resuelta’ y alegrarnos de que lo consiga. El público acudirá, atraído por los irresistibles cebos que se le han lanzado, pero no creo que salga defraudado.

Mi puntuación:

“No habrá amanecer para los hombres”

-Saruman

Con el rey Theoden exiliando a su pueblo de Edoras, y conduciéndoles al abismo de Helm, donde en teoría estarán seguros, comienza una parte de la película que, si bien no es tan impresionante como sus primeros 40 minutos, no palidece en comparación, y sigue subiendo en la escalada hacia convertirse en una memorable película de aventuras. Lo hace estableciendo nuevas líneas narrativas: por un lado, la relación entre Eowyn y Aragorn, por otro, la conexión entre Frodo y Gollum. Y hay mucho talento en ambos niveles.

De esta forma el viaje de Frodo, Sam y Smeagol, además de una hazaña física, se revela una aventura psicológica de gran magnitud, cuando Sam comience a sentirse celoso de que Frodo defienda continuamente a la grimosa criatura, y cuando Smeagol comience a luchar contra su demonio interior para no traicionarles definitivamente. Pero, y esto es tremendamente interesante, Frodo tiene que seguir creyendo que hay alguna manera de que Smeagol vuelva a ser el que fue. A fin de cuentas, está recorriendo el mismo camino que él.

Shakesperiano Smeagol

Es del todo fascinante, y muy sencilla en su realización, la secuencia en la que Smeagol y Gollum discuten en el interior de la criatura. Primero, sin cortes, la cámara se mueve a un lado y a otro, a medida que cambia de personalidad. Luego, el director recurre al corte, y aunque sabemos que sigue hablando consigo mismo, también percibimos de forma mucho más nítida la lucha interior. Y pocas veces hemos sentido hasta entonces tanta compasión por una criatura generada por ordenador. Su dolorosa dualidad respira una verdad y una veracidad sorprendentes. Esta grandiosa secuencia, además, nos habla de la capacidad de la mente para crear demonios internos, y también para expulsarlos…

Pero, como no podía ser de otra manera, el destino se interpone en los buenos deseos de Smeagol. Es uno de los aspectos más importantes de la literatura tolkiana: el destino como un elemento inevitable y muchas veces despiadado. El trío se cruza con Faramir, y los acontecimientos serán cruciales para que Gollum regrese. Y aquí, además, hay una de las variaciones respecto del libro más inteligentes por parte de Jackson y sus guionistas: hacer más creíble el precioso personaje de Faramir (un estupendo David Wenham), que en la novela se limitaba a dejar marchar a Frodo, sin sentirse tentado por el anillo.

Y ese sentido shakesperiano de Smeagol se extiende a toda la trama, incluso a la relación fraternal, y quizá al deseo romántico, entre Eowyn y Aragorn. Miranda Otto está realmente bella, y la cámara parece enamorada de ella. Lo cierto es que el cariño que Eowyn demuestra por él, a él le hace recordar con más viveza a Arwen, y tenemos una secuencia onírica muy hermosa entre ambos, al parecer inducida por los poderes de la elfa. Luego habrá un momento aún más hermoso, pero antes, y es que estamos en una película soberbia, entre ambos nos regalan una secuencia de aventuras y acción brutales.

La épica de un combate feroz

Para mí, la emboscada de los orcos de Saruman, montados sobre lobos gigantescos (Tolkien les llamó Huargos), es una secuencia antológica, que por una vez, y sin que sirva de precedente, convierte a Jackson en un grandioso director de aventuras, con una fuerza épica que yo he visto en cine muy pocas veces. Es una escena de violencia salvaje, de intensidad indescriptible, que está contada con una fuerza narrativa, una limpieza visual, y un crescendo admirables. Nada que ver con tantas paupérrimas películas de aventuras.

Un explorador ataca por sorpresa, y termina con Háma (John Leigh), pero es abatido por Legolas, quien le grita a Aragorn, que se ha adelantado, que les atacan. Aragorn corre a avisar a la columna, en la que hay mujeres y niños. El montaje es buenísimo: los jinetes se preparan, Legolas sube al pie de un risco y divisa al fondo a muchos jinetes de lobos acercarse en tromba, primer plano de Legolas (¿por qué tuvo que interpretarlo Orlando Bloom?...), plano más cercano de lo que observa, plano de mujeres horrorizadas, plano del rey Theoden que habla con Eowyn, plano de Eowyn.

Hay un plano que me pone la carne de gallina siempre que lo veo (como toda la secuencia, por otra parte), y es ese en el que los jinetes suben la ladera a galope, tan deprisa que la cámara no los capta bien, y a Aragorn en primer término mirando a Eowyn, o eso quiere creer ella, me parece. Luego el plano continúa a cámara lenta. Y luego un plano sin Aragorn con los jinetes subiendo. Más épica no se le puede pedir a una película.

Esperándoles arriba, Légolas dispara su arco con mortífera precisión. Cuando le alcanza, se sube a un caballo con la agilidad de los de su raza. Cuando por fin los jinetes de caballos y los jinetes de lobos se encuentran en la explanada, el sonido y la imagen duelen físicamente, de la tremenda violencia y energía que desprende ese momento. Pero también cabe el humor, con la rivalidad entre Legolas y Gimli para ver quién aniquila más lobos. El combate es breve y bestial, y las muertes numerosas y siniestras. Esto no es cine para niños, es cine de aventuras de altura.

El precio de la inmortalidad

La probable muerte de Aragorn, que tanto hace sufrir a Eowyn, hace posible una de las secuencias más bellas, y sin duda la más lírica, de toda la trilogía, pero ahora hablaremos sobre el precio de no morir jamás. Antes, observamos hasta qué punto Saruman ha desplegado su poder y su crueldad, creando un ejército formidable, con el objetivo de borrar del mapa el reino de Rohan. Nada menos que 40.000 orcos bien armados, y con un invento formidable (algo similar a la pólvora), para poder traspasar los muros de Helm. Es impagable la cara de Grima al ver las huestes de Isengard.

El tono está tan bien establecido, que hasta la conexión mental de Arwen con Aragorn, que en otro contexto parecería forzada, aquí es creíble. Aragorn despierta en la orilla del río, y parte hacia Helm, mientras que Arwen vuelve a enfrentarse al dilema moral de quedarse con él, o marcharse a Valinor. La escena con su padre (qué buen actor es Hugo Weaving), con una luz nocturna especialmente afortunada, tiene el sabor de un drama místico. Elrond no cree que haya esperanza, pero ella se lo niega.

Por supuesto, Elrond no puede ni imaginar que ella sea capaz de renunciar a su inmortalidad, y le explica cuál será su posible futuro. Y las imágenes que acompañan esa explicación son de una belleza, un lirismo, una melancolía, sencillamente inenarrables. Arwen ve lo que será su probable futuro, en el caso improbable de que sobrevivan: que Aragorn fallezca de viejo, en el mejor de los casos, y se pase la eternidad vagando en pena. Imágenes como esta son las que responden afirmativamente a aquellos agoreros que esperaban que Jackson fuera un referente futuro del cine fantástico.

Colores ocres, púrpuras y grises, con infinitas variaciones, para este episodio tan especial. Y son colores que, de alguna otra forma, están presentes en toda la película, que, como ya dijimos, tiene una homogeneidad visual mucho mayor que ‘La comunidad del anillo’, ni que decir tiene que ‘El retorno del rey’.

También hay gran sentido de la atmósfera, y excelente dirección de actores en la crucial escena del Estanque Vedado. Está muy cuidado el estado anímico de Faramir, uno de los personajes más dolientes de la saga. Y no hacía falta esa bonita escena que sólo podemos ver en la edición extendida, en la que presenciamos la reconquista de Osgiliath por parte de su hermano Boromir. Por sí solo se basta para mostrarnos su tensión interior, su frustración con su padre, su pesimismo respecto a la guerra futura. Guerra cuya primera batalla, la de Helm, comentaremos en la última parte del análisis a esta película maravillosa.

“Claro que te emborrachaste. Tenías la mejor excusa en el mundo para perder. No hay ningún problema si pierdes con una buena excusa. Ganar, puede ser una gran carga. Puedes soltar esa carga cuando tienes una excusa. Lo único que tienes que hacer es aprender a sentir pena por tí mismo. Uno de los más populares deportes de interior: sentir pena por uno mismo. Deporte disfrutado por todos, especialmente los perdedores natos.”

- Bert Gordon

Este demoledor discurso, que es un mazazo de verdad incontestable, despiadado, demoledor, lo pronuncia un personaje fascinante, al que da vida el gran George C. Scott, un tipejo despreciable y ruin hasta extremos inimaginables, que se alimenta del talento y de la pasión de otros. Sin duda, hay muchos individuos abyectos como él en el mundo, que utilizan sin escrúpulos a cualquier pringao que nazca con un don, con el único objetivo de hacer dinero. Aquí, Gordon saca tajada, porque puede, y le da mucho dinero, primero del Gordo de Minnesota (inolvidable Jackie Gleason), y luego de Eddie Felson, al que llaman “el rápido”.

Sin duda, una de las películas más turbias, moralmente, y más sórdidas, visualmente, de toda la historia del cine americano. Su director, Robert Rossen, había sufrido el desprecio de sus colegas de profesión, por haberse ablandado y haber “dado algunos nombres”, en la infame caza de brujas orquestada por el demente senador McCarthy. Y en 1960 había regresado a su país, después de autoexiliarse a Europa. ‘El buscavidas’ sería su penúltima película como director. Y nunca estuvo tan descarnado, tan verdadero, tan impresionante. ‘El buscavidas’ cabalga junto a ‘The Searchers’, ‘El apartamento’ o ‘Sed de mal’.

En realidad, Eddie quiere vencer al que, en teoría, es el mejor del país. El Gordo. Seguramente no lo sea a un nivel profesional. Pero hay prestigios que en los bajos fondos tienen más valor que en la burguesa vida real. Y ese es uno de ellos, pues sus credenciales se acuñan con sangre y navajazos. Algo parecido a este duelo intentó hacer Curtis Hanson en la estimable ’8 millas’, con un primer duelo fallido, y la preparación para el segundo, que dura toda la película. Pero no llegó a esto ni por asomo, porque la tragedia de Eddie es, siempre, él mismo, y Paul Newman, interpretándole, logra una de esos milagros que se llaman belleza.

Creer en uno mismo

Es decir, estamos en una historia que va sobre creer en uno mismo. Pero además de eso, sobre amarse a uno mismo, que viene a ser idéntica cosa. Y a Felson eso no se le da muy bien, precisamente. El título original, ‘The Hustler’, no puede ser más estimulante. Aunque el español tampoco le viene mal a esta historia. Por muy buen jugador de billar que sea, Eddie se siente un perdedor, un deshecho, y eso nadie lo puede remediar, aunque el extraño ángel redentor personificado en la menuda figura de Sarah Packard (trágica Piper Laurie) lo intente una y otra vez, inasequible al desaliento.

Porque esto, en el fondo, es un relato mitológico. Por el alma de Felson pugnarán su despiadado “socio” (su dueño, con la correa de espinas bien apretada), el siniestro Bert Gordon, y la extrañamente dulce, extraviada y generosa Sarah, mientras él se debate entre uno y otro, y acaba perdiéndolo todo. Aunque, por supuesto, a Eddie siempre le restará una cosa para recompensar a su dignidad: vencer de una santa vez al Gordo de Minnesota. Pero como en todo relato trágico, lo importante no es que le venza, sino el camino que tiene que recorrer para darse cuenta de que puede hacerlo.

Dos partidas muy diferentes entre sí, aunque ambas duren varias horas, y manejen miles de dólares. Pero lo importante nunca fue el dinero, aunque Bert Gordon, que es el dueño de ambos, no se de cuenta. La mesa de billar como escenario mismo, en el que las pasiones y las redenciones tienen lugar y se fusionan, para dar sentido a una vida que, fuera de ese cuadrado, no tiene sentido ninguno. El billar no como lienzo, sino como marco de la expiación, de la culpa, de la fraternidad, de la miseria humanas.

Un estilo sobrio y conmovedor

Si Rossen hubiera podido desarrollar una carrera más fluida y más libre, seguramente su nombre ahora estaría al lado de Billy Wilder y Howard Hawks, por ejemplo. Pero ya no importa. Importa hablar de que ‘El buscavidas’ sí poseía una mirada libérrima y desesperanzada. La de un hombre que ya lo había vivido todo, y al que solo le quedaba un escalón más en su vida, el de la muerte, que escenificó en la lírica ‘Lilith’.

En ‘The Hustler’ Rossen se introduce con valentía estremecedora, brutal, en la vida de un hombre sin pasado y sin futuro, que vive el presente como puede, y que, según sus propias palabras, “no reconocería el amor ni aunque se cruzase con él en la calle”. Y lo hace apoyado en una memorable música Jazz de Kenyon Hopkins, que le otorga un acompasado ritmo, casi ligero, a la historia, con un profundo contraste con lo que está contando. Y, claro, la fotografía de Eugene Shuftan, cuyo blanco y negro tantos han querido imitar, y la dirección artística de Harry Horner, nos trasladan a un mundo sin esperanza, frío y descorazonador, con interior espesos, que se pueden cortar a cuchillo.

Rossen filma con unos encuadres de una precisión asombrosa, logrando una profundidad de campo pocas veces vista antes de 1961, pero imprescindible para poder contar las aristas emocionales de esta historia, y el desasogiego y la tensión de un jugador de billar y de un buscavidas. Hay algo teatral en su puesta en escena, pero algo que le beneficia: entregar a sus actores el protagonismo absoluto de la puesta en escena, en lugar de intentar asombrarnos con ella. La sobriedad es la norma, en la conquista de una conmoción para el espectador, que se nos sirve por la dolorosa verdad de las cosas que nos cuenta.

Una semana más se repite la jugada: llega un estreno más o menos esperado y consigue el número uno, pero no hay quien mueva a ‘Avatar’ del segundo puesto. El primero ha sido para ‘Green Zone: Distrito protegido‘, lo nuevo de Paul Greengrass y Matt Damon. La película, en mi opinión, un espectáculo por debajo del nivel de las dos últimas entregas de Jason Bourne, no consigue muy buenas cifras, poco más de un millón de euros, pero le basta para superar a todas las demás, en un fin de semana de muy baja recaudación.

Otro de los estrenos más sonados del pasado viernes fue ‘Pájaros de papel’, la comedia dramática que ha dirigido Emilio Aragón. Como podéis ver, sus resultados no han sido para tirar cohetes, teniendo que conformarse con una flojita quinta plaza. Pero para flojas las cifras que ha cosechado ‘Medidas extraordinarias’, el drama médico con Harrison Ford y Brendan Fraser, que se queda en una decepcionante novena posición. Sin el sombrero de Indiana Jones, parece que Ford no tiene tanto gancho entre el público. Por lo demás, cabe destacar los buenos resultados de ‘En tierra hostil (The Hurt Locker)’, la película de Katheryn Bigelow, que ha subido su recaudación en más de un 200% después de triunfar en los Oscars.

PD: La semana que viene nos llegarán varios estrenos con opciones de entrar entre las más vistas: ‘El libro de Eli’, ‘Brothers (Hermanos)’ y ‘Tensión sexual no resuelta’.

Vía | BoxOffice.es

Resulta curioso ver una película como ‘Green Zone: Distrito protegido’ —ya estamos con subtítulos ridículos— después de la victoria de ‘En tierra hostil (The Hurt Locker)’ en la pasada ceremonia de los Oscar. Las comparaciones suelen ser odiosas pero también inevitables y necesarias. Con esto no me refiero a que el film de Paul Greengrass es peor que el de Kathryn Bigelow, en realidad no es mucho peor a mi parecer, pero me llama poderosamente la atención que mi compañero Juan Luis Caviaro —sí, el de los ojos rasgados que ya es más occidental que nadie— considera la presente película como un fallo en el tandem Damon/Greengrass, cuando ambos disfrutamos hace ya tres años en un cine de por aquí la vertiginosa ‘El ultimátum de Bourne’, de la cual ‘Green Zone’ no se aparta demasiado.

Y es que esta película parece simplemente una aventura personal del director y el actor demostrando lo bien que se lo pasan rodando juntos. A veces se anuncia que la saga de Bourne tendrá una cuarta entrega, otros días sale la noticia de que dicha secuela jamás verá la luz, y así siguen mareando al personal y haciendo que se nos haga la boca agua. ‘Green Zone’ es oportuna por otra razón además de la comentada; lo es también porque nos devuelve a un director que es uno de los mejores filmando acción, un bálsamo en tiempos en los que ese subgénero está más anquilosado que nunca, salvo excepciones.

Muchos han definido la película precisamente como una especie de Jason Bourne en Irak y puede que razón no les falte. No hay nada de malo en que un director se copie a sí mismo si ofrece buena calidad. ¿Acaso Howard Hawks no volvía sobre sus propios temas y personajes en operaciones como la de ‘El Dorado’ (id, 1966)? En cualquier caso todo es defendible y atacable, es evidente que los que hemos disfrutado con la saga Bourne en general lo pasaremos en grande con ‘Green Zone’ —salvo mi compañero Caviaro al que tengo que obligar bajo amenaza a revisar la película—, y aquellos que hayan sufrido en la mencionada trilogía pues volverán a hacerlo en este caso. Por favor, si alguno de ustedes pertenece al segundo caso, háganmelo saber que me puede la curiosidad.

Tomando como base el libro de Rajiv Chandrasekaran, el guionista Brian Helgeland —autor con excelentes ideas a veces desaprovechadas por equivocados directores— construye un relato de acción en el que se habla sobre las mentiras y excusas de un país para iniciar una guerra. En este caso se realiza una denuncia a la excusa más absurda de los últimos años: la existencia de armas de destrucción masiva en Irak. Matt Damon da vida a Roy Miller, jefe de un equipo militar destinado a Irak para encontrar armas siguiendo la información recogida por expertos. Sin embargo, la realidad es que Miller sólo encuentra la nada más absoluta en sus misiones, por lo que pronto empezará a sospechar que toda la información que reciben son mentiras que esconden intereses mayores.

De este modo ‘Green Zone’ es algo más que un remedo de las películas de Bourne y Greengrass se acerca también al que probablemente sea su mejor trabajo, la espeluznante ‘United 93’ (id, 2006). Ambos relatos poseen una mirada de denuncia sobre los hechos de los que parten, en ambas películas está viva la llama del Greengrass de ‘Domingo sangriento’ (‘Bloody Sunday’, 2002), seco, directo y sin tapujos. La aventura de Matt Damon por descubrir y destapar la verdad sobre la guerra de Irak es contundente y aunque el envoltorio es el de una cinta de acción su mensaje posee validez. Tal vez hoy en día nadie resulte sorprendido por la payasada que fue eso de las “armas de destrucción masiva”, pero esto no invalida el mensaje. Nos recuerda que una guerra puede iniciarse con la mayor de las mentiras, que puede repetirse, y funciona como alegato sobre la importancia de la información en estos tiempos.

Pero no nos engañemos, sobre todas las cosas, ‘Green Zone: Distrito protegido’ es un film de acción puro y duro llevado con mano maestra por Greengrass. Barry Ackroyd, que también hizo la fotografía de ‘The Hurt Locker’, consigue una imagen realista que le empareja con el film de Bigelow, pero mientras la cinta ganadora de seis Oscars opta por una puesta en escena que combina tics modernos con cierta sobriedad clásica —herencia de Sam Peckinpah—, Greengrass se inclina por un frenetismo que no cesa en ningún momento. Como siempre, Christopher Rouse realiza una endiablada labor de montaje que combina infinidad de planos por segundo en una lección de cómo hacerlo sin despistar al espectador. La cámara se mueve mucho, los planos se suceden sin parar, pero el público sabe perfectamente qué está pasando.

Matt Damon hace lo de siempre, osea, cumplir y punto, con eso le llega y nos llega. Su efectiva presencia se ve recompensada por la labor de sus compañeros de reparto. Amy Ryan, Greg Kinnear, Jason Isaacs y Brendan Gleeson realizan convincentes interpretaciones de personajes que son algo más que esquemas típicos. Nos importa lo que les pasa, la gran diferencia con el resto de films de acción, y es que hacer acción es algo más que filmar escenas de tiros y persecuciones. Hay una acción interna en la historia y los personajes, que es la que maneja hábilmente Greengrass, haciéndonos vibrar con sus películas. Y qué dure.

Esta semana pertenece por derecho propio a la segunda entrega del bodrio catastrófico ‘Crepúsculo’. Ninguna otra película será tan vendida como ésta en las próximas fechas. Su paso por los cines fue apoteósico y no hay duda de que repetirá éxito en el mercado casero. Nos llegan también otros grandes estrenos recientes como la película que le dio en todos los morros a Michael Haneke en la pasada gala de los Oscar, conjugado con una buena ración de cine clásico que es lo que más nos interesa a algunos.

‘La saga Crepúsculo: Luna nueva’

Director: Chris Weitz

Intérpretes: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Ashley Greene, Billy Burke, Michael Welch, Christian Serratos, Jackson Rathbone

Inevitable secuela del éxito de masas ‘Crepúsculo’ (‘Twilight’‘, Catherine Hardwicke, 2008) y que prosigue la historia de amor entre una humana y un vampiro entre otras tonterías. Las ediciones de la película son todo un lujo para los fans de la saga. Una caja metálica con tres discos llenos de extras, entre los que se incluyen el sempiterno making off, escenas eliminadas y extendidas o vídeos musicales. Y la de coleccionista, un cofre que contiene los tres discos de la otra edición más un montón de merchandising del film, como un brazalete o un llavero. Ideal para reconocerlos por la calle.

Crítica en Blogdecine:

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‘2012’

Director: Roland Emmerich

Intérpretes: Amanda Peet, John Cusack, Thandie Newton, Chiwetel Ejiofor, Woody Harrelson, Oliver Platt, Danny Glover, Liam James

Nuevo intento del señor Emmerich por demostrar al mundo entero lo obsesionado que está con el fin de la humanidad. Una superproducción cuyo argumento haría las delicias de los films de Sci-Fi de los años 50, pasado por el filtro actual, esto es, grandes escenas aparatosas con perfectos efectos visuales y atronadores efectos de sonido. Un reparto lleno de caras conocidas, aunque no estrellas, termina de completar la función. Dos ediciones, una normal y otra especial, aunque en ambas puede verse el final alternativo que Emmerich filmó. ¿Final alternativo? Qué mala espina me da eso.

Críticas en Blogdecine:

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• El fin del mundo: ‘2012’ e ‘Infectados’

‘Los contrabandistas de Moonfleet’

Director: Fritz Lang

Intérpretes: Stewart Granger, Viveca Lindfors, Jon Whiteley, George Sanders, Joan Greenwood, Jack Elam, Sean McClory, Melville Cooper

Una absoluta y completa maravilla dentro del cine de aventuras en particular y del cine en general, servida con mano maestra por uno de los diez mejores directores —no, no exagero— de todos los tiempos, Fritz Lang. La edición del film contiene un libro de 32 páginas titulado ‘Una obra Maestra del Cine de Aventuras. Un filme visualmente espléndido’, obra de Rafael de España.

Ya era hora de que se editase en nuestro país esta película. Ahora a esperar, o sea, soñar, a que editen algunas otras perlas de su filmografía que aún no conocen edición en DVD en condiciones.

‘Planet 51’

Directores: Jorge Blanco, Javier Abad y Marcos Martínez

Sinopsis: comedia alienígena de aventuras a nivel galáctico que gira en torno al Capitán Charles “Chuck” Baker, astronauta americano que aterriza en Planet 51 pensando que es la primera persona en pisar el planeta. Para su sorpresa, descubre que el planeta está habitado por pequeñas criaturas verdes que viven felizmente en un mundo plagado de cercas blancas, reminiscencia de la alegre inocencia de la América de los años 50, y cuyo único temor es el de ser invadidos por alienígenas… ¡como Chuck!

Uno de los éxitos nacionales del año pasado y que devolvieron la esperanza a nuestro cine, al menos económicamente hablando. Técnicamente no tiene nada que envidiarle a las producciones americanas pero fracasa en algo primordial, el guión. Se ponen a la venta dos ediciones, una simple y la otra especial de dos discos llenos de extras.

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‘El secreto de sus ojos’

Director: Juan José Campanella

Intérpretes: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Pablo Rago, Javier Godino, Guillermo Francella

Una de las triunfadoras en la reciente gala de los Oscars, por lo que su edición en DVD no puede ser más oportuna. Un thriller lleno de tensión, una historia de amor clásica y una dirección por parte de Campanella absolutamente magistral. Se lanzan tres ediciones al mercado, una simple, otra especial con un disco lleno de extras y otra exclusiva para la Fnac y que contiene un libro con datos importantes sobre la película. Una de las compras de la semana.

Críticas en Blogdecine:

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‘La víspera de San Marcos’

Director: John M. Stahl

Intérpretes: Anne Baxter, Vincent Price, Ruth Nelson, Michael O´Shea, Ray Collins, Robert Bailey, Harry Morgan, Toni Favor

Sinopsis: Quizz West (William Eythe) y Janet Feller (Anne Baxter) son una pareja de enamorados cuyos planes para el futuro se ven truncados por el reclutamiento forzoso de Quizz cuando Estados Unidos entra en la Segunda Guerra Mundial. Destinado a las Filipinas, después del ataque japonés a Pearl Harbor, Quizz queda atrapado en una isla pequeña y desolada, donde, junto con sus compañeros de armas (entre ellos los soldados Mulveroy – Michael O’Shea – y Marion – Vincent Price –), padece enfermedades y otras penalidades. Sólo las cartas que Janet le envía desde Estados Unidos mantienen sus ansias de vivir.

Una de las grandes películas de John M. Stahl, experto en melodramas de altura hoy bastante olvidado. Otra de las compras de la semana.

‘Infectados’

Directores: Àlex Pastor y David Pastor

Intérpretes: Lou Taylor Pucci, Emily VanCamp, Christopher Meloni, Chris Pine, Piper Perabo, Ron McClary, Kiernan Shipka

Sinopsis: Un virus terriblemente mortal se ha extendido por toda la Tierra aniquilando a la mayor parte de la población. Cuatro jóvenes, que todavía no han sido infectados, se dirigen a una apartada playa del Golfo de México con la intención de refugiarse hasta que pase la epidemia.

No es una gran película pero está por encima de la media de este tipo de productos. Dos ediciones, una simple y otra especial que no se diferencia demasiado de la otra. A veces este tipo de operaciones comerciales son de lo más mosqueante.

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‘Sábado trágico’

Director: Richard Fleischer

Intérpretes: Victor Mature, Lee Marvin, Stephen McNally, Virginia Leith, Stephen McNally, Margaret Hayes, Sylvia Sidney

Sinopsis: Victor Mature interpreta a Shelley Martin, un hombre a quien su hijo Steve cree un cobarde porque no combatió en la guerra. Tommy Noonan es Harry Reeves, un director de banco con la costumbre de espiar a una guapa clienta mientras se desviste. Sylvia Sidney es Elsie Braden, una bibliotecaria amiga de lo ajeno. Margaret Hayes es Emily, la esposa infiel del eminente ciudadano Boyd Fairchild (Richard Egan), gerente de la mina de cobre, quien aunque ama a su mujer pretende a su vez seducir a la bella enfermera Linda Sherman (Virginia Leith). Y Ernest Borgnine encarna a Stadt, un pacífico granjero amish obligado a emplear la violencia cuando sus hijos se ven amenazados por los criminales

Una de las películas menos conocidas de Fleischer realizada en su mejor etapa creativa. Me temo que esta semana me gastaré mucho dinero.

‘La huérfana’

Director: Jaume Collet-Serra

Intérpretes: Vera Farmiga, Peter Sarsgaard, CCH Pounder, Isabelle Fuhrman, Aryana Engineer, Margo Martindale, Karel Roden

Sinopsis: Cuando Kate (Vera Farmiga) y John Coleman (Peter Sarsgaard) pierden al bebé que estaban esperando, todo se derrumba a su alrededor. Su matrimonio se tambalea y la mente de Kate se llena de pesadillas, miedos y temores. Para intentar recuperar la normalidad, la pareja se dirige a un orfanato local con la intención de adoptar a un niño.

Una curiosa película de terror que logra desenmarcarse de lo habitual en el género, sobre todo cuando hay niños de por medio. El DVD viene con un único extra, escenas añadidas que incluyen un final alternativo. A este paso todas las películas tendrán dos finales, uno para proyectar en cines y otro que veremos en DVD.

Crítica en Blogdecine:

• ‘La huérfana’, la pequeña depredadora

‘Pandorum’

Director: Christian Alvart

Intérpretes: Dennis Quaid, Ben Foster, Eddie Rouse, Norman Reedus, Cam Gigandet, Antje Traue, Cung Le

Sinopsis: Dos miembros de la tripulación de una nave espacial, el Teniente Payton (Dennis Quaid) y el Cabo Bower (Ben Foster), se despiertan en sus cámaras de hibernación sin recordar nada de lo que ha sucedido: ni quiénes son, ni cuál era su misión o por qué, aparentemente, son los únicos supervivientes.

Una aceptable muestra de Sci-Fi servida con la suficiente inteligencia por Alvart, que ya demostró su pericia en ‘Expediente 39’ (‘Case 39’, 2009). Dos ediciones como casi siempre, una simple y la otra especial con un disco de extras, aunque menos de los esperados.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Pandorum’, efectivo batido de acción y ciencia ficción

• ‘Pandorum’, opresivo thriller de ciencia ficción

Más información | Zona DVD

Los actores Paul Bettany y Rufus Sewell se acaban de unir al reparto de ‘The Tourist’, de Columbia Pictures, que actualmente se está rodando en Venecia bajo las órdenes del alemán Florian Henckel von Donnersmarck (‘La vida de los otros’). Recordemos que esta producción es un remake de la película francesa ‘El secreto de Anthony Zimmer’, dirigida por Jérôme Sale y estrenada en 2005.

Protagonizada por las estrellas Johnny Depp y Angelina Jolie, ‘El turista’ gira en torno a Frank, un estadounidense que se encuentra de viaje por Italia tras una difícil ruptura con su novia, y en cuyo destino se cruza Elise; Frank se enamora de ella al instante, pero pronto descubrirá que la mujer le acaba de meter en serios y peligrosos problemas. Depp y Jolie se ocuparán de dar vida a los dos personajes centrales, mientras que Bettany y Sewell parece que interpretarán a dos de los individuos que los persiguen.

El guión, que esperemos que no sea una simple traducción del francés al inglés, lo firman Jeffrey Nachmanoff, Julian Fellowes y Christopher McQuarrie (el amigo de Bryan Singer que ganó un Oscar por ‘Sospechosos habituales’). El estreno del film está previsto para finales de este año.

PD: Si pensáis que tener a más de un guionista es una garantía, tened en cuenta que, por ejemplo, ‘G.I. Joe’ también la escribieron tres tipos.

Vía | Variety

Continuamos repasando las mejores bandas sonoras de los compositores más importantes de la historia del cine. Ahora le toca el turno a Ennio Morricone. El compositor italiano tan venerado como conocido y, confieso, uno de mis preferidos, al que tuve el honor de saludar, y quizás eso te marca, aunque siempre ha sido un compositor brillante en su larga trayectoria y que he admirado mucho.

Algunos lo consideran como el compositor más innovador de la música de cine. Y puede que no les falte razón. Aunque él, un trabajador incansable, reniega del talento. Piensa que el esfuerzo, el trabajo, el tesón y la entrega es la que te convierte en un grande. Tampoco le falta razón en ello, pero hay que reconocerle que a su descomunal filmografía, se le puede sumar una gran popularidad, múltiples premios (eso sí, el Oscar honorífico) y más de 40 millones de discos vendidos, 26 discos de oro, cinco de platino, un Grammy… Lo que avala que Ennio Morricone sea, sin duda, uno de los más grandes de la historia.

Por tanto, se presta como pocos a repasar sus piezas musicales, aunque es cierto que hay que ser todo un especialista en la materia y disponer de mucho tiempo para estudiar y analizar las más de 400 bandas sonoras que ha compuesto.

Versatilidad, originalidad y profusión

Su figura y su brillantez es desde hace varias décadas un referente, pero no lo es por casualidad. Y aunque reconoce que empezó a componer música para cine por dinero, lo cierto es que acabó convirtiéndose en todo un especialista, capaz de renovarse constantemente y es debido a su enorme capacidad de trabajo (sus biografías hablan que sigue levantándose cada día a las cinco de la mañana y a las ocho ya está escribiendo partituras).

Durante el tiempo que lleva en este campo, no ha renunciado, a pesar de tener tentadoras ofertas de Hollywood, a componer para el cine italiano y lo ha hecho para grandes nombre de su cinematografía. Aunque, si bien es cierto, que alcanzó gran popularidad con el spaghetti western primero y con grandes producciones hollywoodienses después.

Su unión a Sergio Leone dio como lugar una fructífera carrera, logrando que el spaguetti western suene a sus notas, y que todos tengamos asociadas estas películas a su geniales composiciones.

Pero Morricone es un animal polifacético en la música cinematográfica y ha compuesto para todo tipo de géneros, para el cine político, erótico, policíaco, religioso, romántico,... Por ello, se hace difícil hacer una selección con las diez mejores bandas sonoras firmadas por él. Pero, siguiendo el mismo criterio que llevé a cabo con Goldsmith y Williams, prevalece la apreciación personal y lo que me han hecho sentir algunas de sus composiciones. Vamos a ellas. Esta es mi selección, sin ningún orden preferente:

‘Los intocables de Elliot Ness’

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‘La Misión’

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‘Por un puñado de dólares’

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‘Cinema Paradiso’

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‘Érase una vez América’

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‘Días del cielo’

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‘Bugsy’

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‘Malena’

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‘Malditos Bastardos’

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‘El bueno, el feo y el malo’

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En Blogdecine:

• Las diez mejores bandas sonoras de John Williams

• Las diez mejores bandas sonoras de Jerry Goldsmith

Robert Downey Jr. no quiere dejar pasar su gran momento. El actor, que protagoniza un par de franquicias de éxito (‘Iron Man’ y ‘Sherlock Holmes’), será quien encabece el reparto de ‘Gravity’, lo nuevo del director Alfonso Cuarón, una película en 3D para Warner Bros. Pictures y Legendary Pictures cuya acción transcurre en el espacio.

Al parecer, Downey Jr. interpretará al líder de un equipo de exploradores situado en una remota estación espacial. Mientras él y una compañera viajan por el exterior de la estación, los otros miembros del grupo son masacrados por los restos de un satélite que explota. Sin tiempo que perder, los dos supervivientes deben encontrar una manera de regresar a la Tierra…

El guión lo ha escrito Cuarón junto a su hijo, Jonas, y el rodaje del film comenzará este próximo verano en Londres, antes de que la estrella estadounidense se marche al set de ‘Sherlock Holmes 2’, de nuevo a las órdenes de Guy Ritchie.

PD: Angelina Jolie fue durante un tiempo la estrella vinculada a este proyecto.

Vía | Deadline

Así están las cosas en estos tiempos de revoluciones técnicas. El 3-D es lo que prima, y lo que de momento llena las salas cinematográficas. ‘Alicia en el país de las maravillas’ de Tim Burton sigue invencible en la taquilla estadounidense poniendo en evidencia los gustos e intereses del público.

‘Green Zone: Distrito protegido’, la entretenidísima y espectacular película de Paul Greengrass, no ha sido capaz de hacerle sombra al film de Burton. Esta especie de aventura en Irak por parte de los mismos responsables de los mejores momentos de la trilogía de Jason Bourne recoge críticas aceptables. El público votante en la IMDb parece que se lo ha pasado pipa, como un servidor.

‘She´s Out of my League’ es una comedia juvenil en la que un tipo normal de instituto se liga a la fémina más popular —eufemismo para decir “cachonda“— del lugar. Problemillas por aquí, problemillas por allá, y a entretener sin más pretensiones al personal. La crítica parece no entenderlo así, y el público votante sí, faltaría más. Aquí la veremos el 9 de abril.

‘Recuérdame’ es el nuevo intento de ese ser llamado Robert Pattinson por querer demostrar que hay vida más allá de los colmillos —uy, no, que en esa saga no saben lo que es un vampiro de verdad—, y da vida a un atormentado joven cuya familia se descompone debido al suicido de su hermano. Pronto conocerá a una de esas almas gemelas que han pasado por la misma situación, la música subirá, la audiencia cogerá sus pañuelos y mientras, algunos de nosotros nos preguntaremos que coño hacen en el reparto actores como Chris Cooper o Lena Olin. Lo averiguaremos este viernes.

‘Our Family Wedding’ es la ración afroamericana de la semana. En algo que recuerda a la fantástica ‘Adivina quien viene esta noche’ (‘Guess Who’s Coming to Dinner’, Stanley Kramer, 1967) la película es una historia de amor interracial entre un negro y una hispana que hará saltar chispas tanto de alegría como de enfado. La crítica le da lo suyo y el público votante no parece muy contento.

Vía | IMDb

Hoy se ha sabido que David Fincher se encargará de dirigir el drama ‘Pawn Sacrifice’ para Columbia Pictures. Ya habíamos hablado antes de este proyecto, cuando supimos que el guionista Steven Knight y el actor Tobey Maguire estaban implicados. Maguire producirá y protagonizará la película, metiéndose en la piel del famoso ajedrecista norteamericano Bobby Fischer.

‘Pawn Sacrifice’ (‘Sacrificio del peón’) gira en torno a la histórica partida entre Fischer y el ruso Boris Spassky por el campeonato del mundo de ajedrez, en 1972. El duelo tuvo especial relevancia por producirse en plena guerra fría. Por el momento no hay más información, pero el fichaje de Fincher parece asegurar que el rodaje comenzará pronto. De hecho, el realizador ya concluyó su trabajo en ‘The Social Network’ (la película sobre Facebook) y ahora mismo no tiene nada entre manos. Estaremos atentos a más novedades.

PD: Se rumorea que Fincher también está interesado en dirigir ‘The Girl With the Dragon Tattoo’, o sea, el remake estadounidense de ‘Millennium’.

Vía | ComingSoon

(Aviso: incluye datos que pueden dar pistas sobre el desarrollo de la trama.)

Es habitual en relatos que incluyen algún elemento sobrenatural que, si se otorga un poder, éste lleve asociada una contrapartida, más allá de los inconvenientes y responsabilidades naturales. Y no me refiero a una debilidad, como la vulnerabilidad ante la kriptonita, sino a una especie de pago kármico. Esto haría pensar que los dioses o seres superiores que conceden dicho don son guionistas o narradores de historias, pues sólo cabría este arreglo en la mente de alguien que busca un conflicto o que quiere jugar con su personaje para interesar a terceros, es decir, porque sabe que existen lectores o espectadores. Son unas reglas del juego impuestas porque conviene, pero que tendrían más valor si se sostuviesen en algo que no fuese caprichoso.

Para rebatir este inconveniente, cabría pensar que el dilema, artificial y forzado, que se le presenta al personaje de Eduardo Noriega en ‘El mal ajeno’ —film que se estrena este jueves, 18 de marzo— es una metáfora de otro tipo de elecciones ante las responsabilidades. Sin embargo, me cuesta realizar por completo esa asociación con algo real. El film no da muestras de rastrear un paralelismo, sino de aspirar a plantear con la capacidad y su efecto secundario una cuestión moral insalvable .

Daniel Sánchez Arévalo firma un guión que parte de una premisa llena de posibilidades, la más sobresaliente la de aportar un granito de originalidad al drama gracias al ingrediente fabuloso, pero asimismo la de calar hondo psicológicamente. El desarrollo de esta idea, no obstante, se siente parco con respecto a lo que podría haber alcanzado. El argumento queda, entonces, dilatado y acolchado con episodios de apoyo sin los cuales se podría haber expuesto lo mismo en un cortometraje. A pesar de su estiramiento, la trama tiene el mérito de mantener la atención, sin resultar excesivamente tediosa.

Oskar Santos cuenta, para su ópera prima, con Josu Inchaustegui para firmar una excelente fotografía, y con una producción impecable, que dotan a ‘El mal ajeno’ de un aspecto solvente. La película, por tanto, es un digno ejemplo de lo que se puede conseguir en nuestra cinematografía en cuanto a estética, abriendo las miras y las elevando aspiraciones.

Noriega quizá sea algo joven para su papel, pero sostiene casi en exclusiva el peso de la película, haciéndonos ver la dificultad que tiene para tomar decisiones y lo que supone para él lo que le está ocurriendo. Le ha sentado bien la madurez y sus interpretaciones se van haciendo cada vez más creíbles. Si no percibimos con claridad ese retrato de su personaje como alguien despegado y ajeno a la lástima en el inicio de la cinta es más por culpa del guión que del actor. Ningún hecho demuestra que su actitud sea más fría que la de cualquier profesional de la medicina. Sólo el leer de antemano una sinopsis o escuchar la frase de otro personaje que define tal cual este comportamiento, nos llevarán a pensar así. Es por ello que se diluye la evolución que el suceso debería producirle.

El elenco se completa, aunque ya en papeles mucho menores, por Belén Rueda, Angie Cepeda, José Ángel Egido, Clara Lago, Critina Plazas, Marcel Borràs, Carlos Leal y Luis Callejo. Más que personajes, todos ellos son instrumentos con propósitos claros, desde transmitir información a ser objeto del poder que tiene Diego. Sus personalidades, por lo tanto, no están especialmente definidas. Callejo consigue carácter gracias a su interpretación, más naturalista y cómica que la del resto del reparto. Y a Rueda se le conceden algunos momentos para explayarse, que no desaprovecha. Lago, en el papel de la hija, parece que se despega con sus chillidos de niñata, pero está representando la edad que se le ha asignado. El resto se limita a estar presente para lo necesario, sin aportar nada, pero sin empobrecer el conjunto.

Nos encontramos, por lo tanto, ante un film atractivo, con un aspecto magnífico y un punto de partida sumamente interesante. Me queda la sensación de que se podría haber llegado todavía más allá con el mismo concepto, pero sé que esta desazón puede ser particular mía, por lo que quizá no sería descabellado recomendar ‘El mal ajeno’ como una de las apuestas fuertes de esta semana.

Mi puntuación:

Anteriormente en Blogdecine:

Opinión de Adrián Massanet sobre ‘El mal ajeno’: 60º Festival de Berlín: estupendas ‘Howl’ y ‘The Ghost Writer’.

“¿Hobbits? Nunca he oído hablar de hobbits. ¡A malvado orco me suena, más bien!”

-Bárbol

Consumado el aplastante éxito comercial de ‘La comunidad del anillo’, el equipo creador de la trilogía se enfrentó al montaje y afinamiento de la segunda película con mucha mayor confianza. Pese a ello, o quiza precisamente por ello, Peter Jackson encomendó la hazaña de montar esta película, a su viejo amigo Michael Horton, a quien el director considera el mejor montador que conoce. Tanto es así, que se puede otorgar gran parte del equilibrio de esta película inmensa, a las manos de Horton, que arman con talento infinito una película muy superior a la primera parte en todos los sentidos.

La primera película era una historia muchísimo más lineal y, estructural y narrativamente, menos compleja y difícil de organizar que la segunda, en la que se abren varias líneas argumentales. Y no deja de ser curioso que mientras en la primera, Jackson se las ve y se las desea (sin conseguirlo) para mantener un ritmo, en esta segunda, que es muchísimo más ambiciosa, lo arma sin esfuerzo aparente, y consigue una de las películas de fantasía más hermosas, poderosas y emocionantes que se recuerdan. Si ‘Las dos torres’ no es una obra maestra, cerca le anda.

Un primer tercio magistral

Lo bíblico y lo shakesperiano, así, tal cual, se engarza en el impresionante arranque de esta aventura, que se erige en un prodigio narrativo de construcción visual, y sin lugar a dudas en lo más hermoso que ha filmado jamás Peter Jackson. No resulta fácil analizar este laberinto de líneas narrativas perfectamente entrelazadas. Vamos a intentarlo: comenzamos con una secuencia inolvidable de la primera parte, la caída de Gandalf. Por supuesto, el mago no muere, sino que cayendo con el Balrog, lucha con él. La secuencia es alucinante en intensidad y en espectacularidad, con una creación de sonido extraordinaria. Pero, al estrellarse contra un lago subterráneo, un corte brusco nos lleva con Frodo y con Sam, en su viaje hacia Mordor.

Todo aquello de lo que adolecía el viaje del grupo en la primera parte, la sensación de itinerario físico, con sus rigores, su tensión emocional, está en este bloque memorable en el que la pareja busca la salida de las Emyn Muil, un interminable camino de rocas afiladas, por las que no es fácil guiarse. Creo no exagerar si digo que la planificación es de una meticulosidad y precisión extremas, y que quizá Elijah Wood haga el mejor trabajo de las tres películas. La aparición de Gollum, por su parte, con la luna llena de fondo, tiene el sabor y la textura de los grandes relatos trágicos de fantasía.

Más lineas narrativas: Aragorn, Legolas y Gimli persiguiendo a los orcos secuestradores de Merry y Pippin. Es un bloque bastante mejor montado que la persecución de los Orcos a la comunidad, en el final de la primera parte. Hay emoción e intensidad, y los cortes y los planos parecen música. De pronto Jackson se parece a ese gran cineasta que quiere ser, si bien, hay unidades, como la de los orcos, que filmó otro director (concretamente George Miller…). Pasamos a Saruman, que está preparando un ejército enorme, y que comienza a talar el bosque de Fangorn. Así mismo, comienza a atacar algunos pueblos de Rohan. Dos niños son los únicos supervivientes de uno de los pueblos, y parten hacia el castillo de oro.

Por uno de esos ataques, algunas tropas de jinetes de Rohan son masacradas, y entre ellas el hijo del rey. Eomer, interpretado por Karl Urban, descubre cadáveres con la marca blanca de Saruman. De vuelta al castillo (una soberbia creación arquitectónica, parte maqueta, parte real), Eomer le cuenta todo al decrépito rey Theoden (un a veces impresionante, a veces flojo Bernard Hill, el único actor que ha participado en dos películas ganadoras de 11 oscar…), pero la mente del rey está hechizada por Saruman, y su siervo Grima (al que encarna un magnífico Brad Dourif) controla su voluntad. De tal modo que en lugar de plantar cara a Saruman, Eomer se ve desterrado.

No estoy narrando los acontecimientos en plan acta notarial, quiero explicar de qué modo ahora todos se funden y se cruzan. Continúa la persecución a los orcos, pero lo interesante es que se detienen a la sombra de Fangorn, y allí son cazados, precisamente, por los jinetes desterrados a cargo de Eomer. Y parece que los hobbits van a morir también en el ataque, pero de modo muy inteligente, Jackson corta la secuencia sin que conozcamos, aún, el desenlace. Así, el trío perseguidor se encuentra al amanecer con los mismos jinetes que masacraron a los orcos. Eomer les habla del mago blanco, esto es importante. Creen, eso sí, que los hobbits han muerto.

Lo interesante de esto, es que Aragorn descubre unas huellas que indican lo contrario, y así tendremos una suerte de reconstrucción del pasado, siguiendo las palabras del montaraz (es maravilloso como está montado esto, y cómo la esperanza resurge en el corazón de los tres compañeros). Y viajaremos a la noche anterior con los hobbits encontrándose con Bárbol en el bosque de Fangorn, quien les llevará ante el “mago blanco” (¿Saruman?). Pero regresamos con Frodo y Sam.

Está muy bien que el montaje paralelo se detenga con Frodo y Sam, y sus segmentos se dilaten en el tiempo. También, con los saltos entre líneas narrativas, percibimos mucha mayor homogeneidad plástica entre los diversos escenarios, que la que existía en ‘La comunidad del anillo’. Los escenarios siempre deben ser una representación anímica del estado de los personajes y de la historia, y entre la Ciénaga de los muertos y las planicies de Rohan hay similitudes de colorimetría y de luz, consecuencia de un soberbio trabajo de fotografía (el único de los tres que no fue premiado con un Oscar…). Pero todo este bloque está ya presidido por un contenido sentido del horror y un gran sentido de la atmósfera.

Aragorn y los otros se encuentran por fin con Gandalf, que ahora lleva el sobrenombre de El Blanco, y en su narración de cómo vence al Balrog hay una aureola mística irresistible. Por cierto, que su narración continúa el sueño que tuvo Frodo al principio de la película. Todo se va conectando. Viajan al castillo de oro, y allí el diálogo entre Grima y Eowyn (una bella Miranda Otto) tiene aires shakesperianos. En conjunto, todo el ambiente del castillo de Edoras destila un gusto medieval y ancestral maravilloso. Y la soledad y frustración de Eowyn está muy bien mostrada. Cuando sale y ve a los recién llegados, un jirón de tela, de una bandera de palacio, sale volando hacia Aragorn. Es una imagen muy poderosa y muy bella.

Y la secuencia de la liberación mental de Theoden es magistral. Esto es cine fantástico de altura. El grupo se introduce en el palacio, y con argucias logran llegar al rey. Gandalf, mucho más poderoso que antes, pugna con Saruman por la mente del anciano. El maquillaje es alucinante. Y más alucinante es el efecto visual con el que le regresa la juventud y la vida al rostro. Lástima que en esta escena el pésimo actor Orlando Bloom nos regale con sus caras, porque es emocionante. El momento en que saca a Saruman de su interior es un efecto de montaje muy ingenioso, con Christopher Lee apareciendo tras el rostro del rey, pero en su propia torre, y cayendo derrotado.

Concluye así este apasionante comienzo, con los acontecimientos de Rohan atravesando, siendo una línea narrativa, que confluye con otra, la de Aragorn y sus amigos, que a su vez se funde con Gandalf, que a su vez empezó siendo un sueño de Frodo. A partir de aquí, la historia comienza a avanzar hacia la definitiva batalla del abismo de Helm, pero eso ya lo iremos contando. Se observa un pulso narrativo, al menos hasta aquí, llevado con mano de hierro, sin perder jamás el control, y una homogeneidad visual admirable, que a grandes rasgos se mantendrá el resto de la película.

Matt Damon y yo queríamos crear una película convincente, llena de acción, misteriosa, que entusiasme y aporte una visión privilegiada de un mundo secreto, como las películas de Bourne, pero ¿podíamos hacerlo en un ambiente extremo como era el centro de Bagdad durante las desesperadas semanas que siguieron a la invasión? Espero que la respuesta del público sea: ‘Sí, han sabido hacerlo’

(Paul Greengrass)

El pasado viernes se estrenó una de las películas más esperadas del año, al menos para aquellos que disfrutamos de lo lindo con las dos últimas entregas de la trilogía de Jason Bourne. ‘Green Zone’, título que en España han adornado con el subtítulo ‘Distrito protegido’, vuelve a reunir a la estrella Matt Damon y al prestigioso director Paul Greengrass en un thriller de acción. Esta vez, el protagonista es un soldado cuya misión es encontrar las famosas armas de destrucción masiva en Irak. Como podéis imaginar, pronto descubrirá que le han tomado el pelo. Y la película va de cómo encuentra esa verdad que nosotros ya conocemos.

No es que esto estropee la película, ni mucho menos, pero lo cierto es que se tiene la sensación de que debería haberse estrenado mucho antes, para que la intriga fuera más efectiva y el mensaje crítico más potente. Para que la película fuese una auténtica bomba, y no unos simples fuegos artificiales. Pero ya sabemos cómo está el patio ahora mismo. El negocio le ha comido casi todo el terreno al arte, los directores, los guionistas y los actores se preocupan más de sus propios intereses que de crear una obra que perdure en el tiempo… Importa el hoy, el dinero que se hace hoy. Afortunadamente para nosotros, hay cine al margen del que nace en los despachos de Estados Unidos. Y muy bueno: ‘La cinta blanca’, ‘Un profeta’, ‘El secreto de sus ojos’...

De todas formas, nadie, tampoco el que escribe estas líneas, pensaba encontrar una maravilla en ‘Green Zone: Distrito Protegido’. Como dije antes, la reunión de Damon y Greengrass en un thriller permitía esperar algo como ‘El mito de Bourne’ y ‘El ultimátum de Bourne’, que si bien son endiabladas piezas de entretenimiento, no van más allá; no lo pretenden y nos parece genial. Claro que no es lo mismo montar un circo de acción con un personaje fantástico (un arma letal prácticamente invencible) dentro de un entorno sólo superficialmente real, en el que vale lo imposible, que narrar una historia basada en hechos reales donde un soldado, en teoría de carne y hueso, se juega la vida para encontrar la verdad, una que efectivamente pertenece a nuestro mundo. Con esto sólo quiero decir que trasladar a Bourne a un lugar como Irak, poco después de la victoria estadounidense, era inicialmente una fantástica idea, porque vas a diseñar un producto de palomitas en un nuevo universo, más real, más cercano, y por tanto, más contundente.

El problema es que no funciona. No del todo. No sé exactamente el motivo, pero ‘Green Zone’ no resulta tan espectacular ni trepidante como lo eran las dos películas de Bourne que rodó Greengrass. Es decir, sé dónde falla, pero no qué lo ha provocado. No puede ser por falta de medios, esta cosa ha costado unos impresionantes 100 millones de dólares (que no los va a recuperar), y en teoría un realizador, especialmente uno tan experimentado y habilidoso como el inglés, debe ir de menos a más, no al revés. Pero eso es lo que ha ocurrido aquí. Es como si Greengrass se hubiera limitado a rodar algunas secuencias y supervisar el resto, montando luego un aparatoso resumen donde es verdad que nos queda claro lo esencial, la pregunta y la respuesta, pero no qué demonios pasa durante las escenas de acción.

Frenesí troceado

¿Qué ha pasado? Puede que ‘Green Zone’ sea el primer efecto colateral de la oscarizada ‘En tierra hostil (The Hurt Locker)’; esto es, puede que Kahtryn Bigelow haya dejado el listón muy alto y Greengrass ha quedado en evidencia. Puede ser una razón. También que el director se haya acomodado más de la cuenta, demasiado consciente de su estatus de aclamado autor, demasiado satisfecho con el éxito de sus anteriores trabajos (hay que revisar ‘United 93’, y me refiero a los que pensáis que es una joya). Definitivamente, esta especie de ‘Bourne en Irak’ es una propuesta fallida, carente del vigor y la tensión que cabía esperar. Porque no puedes crear secuencias de acción, con varios puntos de vista, si la partes en mil pedazos, y menos aún con esta tontería moderna de la cámara documental, que no deja ver qué está ocurriendo. Lo que estás creando es un caos mareante.

Tomad como ejemplo la primera secuencia del film, en la que Miller y su equipo se meten en un edificio que está siendo saqueado para llegar al lugar donde se supone que hay armas de destrucción masiva. Es imposible seguir lo que ocurre. La cámara en constante movimiento, enfocando tarde y a veces objetivos intrascendentes (un muro o el suelo), encuadres desastrosos que se reajustan (más tarde que pronto) todo el tiempo, los planos cortados a cada instante, múltiples cambios de punto de vista… ¿Dónde está Miller, quién dispara, a quién, y a dónde van? Sólo es el principio, luego hay más, y toda la “set-piece” del final es lo mismo pero a lo grande. Parece que a Greengrass sólo le interesa contagiarte el frenesí del momento. Bigelow hizo eso y además dejaba que entendieras qué pasaba en cada escena, con lo cual te traspasaba también la tensión del protagonista. Es imposible sentir sus mismas sensaciones si él sabe qué ocurre y tú no. Pero ya lo sé, las comparaciones son odiosas…

Dicho esto, matizo un poco. El explosivo material del que se parte, la crítica al gobierno estadounidense (algo blandengue, porque el mensaje parece ser que en el fondo las tropas trajeron ilusión al pueblo invadido), el buen hacer del reparto (encabezado por un carismático Damon, a quien acompañan unos estupendos Brendan Gleeson, Greg Kinnear, Amy Ryan, Khalid Abdalla y Jason Isaacs, entre otros) y los momentos, tanto tranquilos como agitados, en los que Greengrass se contiene (ojo a las panorámicas nocturnas de la ciudad en llamas) hacen de la película un entretenimiento válido y aceptable, con algunos aciertos que no deben ser menospreciados; por ejemplo, que por una vez se exponga adecuadamente, clara y transparente como el agua, una trama de intriga política y conspiración, desde el arranque hasta el desenlace (buen trabajo del guionista Brian Helgeland, que sin embargo, por otra parte, hace aparecer personajes de la nada cuando le conviene, como en cierta serie de televisión muy famosa y adictiva).

En definitiva, entrar en Greengrass Zone puede suponer una experiencia satisfactoria para los que estén acostumbrados a procesar mucha información visual a gran velocidad (los amantes de los videojuegos, quizá), o para los que vayan al cine a simplemente echar el rato, sin activar ni una sola neurona. Para los demás, puede resultar una película interesante que no acaba de cuajar por culpa de que se hace insoportable cada vez que Damon se pone a correr. Pensadlo bien antes de entrar, y suerte.

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Todavía no sabemos quién interpretará al Capitán América, en la película que está preparando el director Joe Johnston, pero ya tenemos al villano. Hugo Weaving, rostro del mítico villano de la trilogía ‘Matrix’, trabajó con Johnston en la reciente (y desastrosa) ‘El hombre lobo’ y ha sido elegido para interpretar a Red Skull en ‘The First Avenger: Captain America’, que debería estar en los cines el 22 de julio de 2011. Weaving es el primer nombre del reparto, y la primera razón para interesarse por la película. Porque el director…

En los cómics, Red Skull, o Cráneo Rojo, ha sido el mayor enemigo del Capitán América desde 1941, cuando estuvo implicado en misiones de espionaje y sabotaje como la mano derecha de Hitler. Al igual que el superhéroe, el villano se conservó en vida durante décadas, siendo reanimado en nuestro presente. Como los palitos de merluza pescanova. Es una buena manera de recuperar personajes populares del pasado. En este sentido, Joe Johnston ya confirmó que su película narrará cómo Steve Rogers se convierte en el Capitán América, y que lo veremos luchar en la II Guerra Mundial.

PD: En la lista de candidatos finales para interpretar al superhéroe de la Marvel están John Krasinski, Garrett Hedlund, Wilson Bethel, Mike Vogel y Chris Evans.

Vía | Worstpreviews

Gary Oldman (crack universal), Malin Akerman (‘Watchmen’) y Milo Ventimiglia (popular por la serie ‘Heroes’) han firmado esta semana para protagonizar un film independiente con temática de cine negro que se titulará ‘Criminal Empire for Dummys’ (‘Imperio criminal para tontos’). Los tres actores acompañarán a los previamente contratados Michael Clarke Duncan (‘La milla verde’) y Harvey Keitel (otro crack indiscutible), formando un reparto de lo más interesante.

‘Criminal Empire for Dummys’ será el debut como director del actor Cliff Dorfman, quien también ha escrito el guión. La película se centra en un joven carismático (Ventimiglia, en un error de casting clamoroso, este chico es terriblemente soso) que relata los pros y los contras de llevar una carrera criminal, a través de flashbacks que muestran su propio ascenso, pasando de una infancia trágica en un barrio pobre a convertirse en un gángster para llegar luego a lo más alto de un imperio basado en el tráfico de drogas. Parece otra versión de ‘Scarface’. El rodaje comenzará a finales de este mismo mes en Nueva Orleans.

PD: Al parecer, las películas favoritas de Ventimiglia son ‘El padrino’, ‘El padrino II’, ‘Uno de los nuestros’ y… ‘Matrix’.

Vía | Cinematical

Aprovechando que mi compañero Juan Luis Caviaro está realizando el extenso y sentido especial sobre David Cronenberg, vamos con una noticia que ya está en boca de todo el mundo. El ilustre director de buenas películas como ‘Una historia de violencia’ (‘A History of Violence’, 2005) —a juicio de quien esto firma, su mejor trabajo—, ‘Vinieron de dentro de…’ (‘Shivers, 1975), y también de enormes bodrios como ‘Crash’ (id, 1996) o ‘El almuerzo desnudo’ (‘The Naked Lunch’, 1991), volverá a reunirse con Viggo Mortensen en su nueva película, ‘The Talking Cure’. De esta forma Mortensen termina con el año sabático que dijo se tomaría y que muchos pensaban que era una retirada perpetua de la interpretación.

‘The Talking Cure’ habla sobre el conflicto entre Sigmon Freud —papel a cargo de Mortensen, sustituyendo al recientemente oscarizado Christoph Waltz— y su alumno Carl Jung, personaje que interpreta Michael Fassbender. La insoportable Keira Knightley se sube al proyecto dando vida a una joven mujer perturbada que es llevada a Jung por su padre.

Cronenberg hablando sobre las distintas teorías de los sueños que tenían Freud y Jung. Puede pasar de todo.

Vía | Comingsoon

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